《歌手2025》中的沉浸聲，如何落地Livehouse？

這一季，《歌手2025》不僅歌手“會唱”，而且觀眾“會聽”。

重整歸來的李佳薇以《天后》呈現出極致的聽感，強大的演唱機能與豐沛的情感搭配，讓觀眾聽到爽；GAI大膽改編伍佰的經典《白鴿》，人聲合唱的救贖感與原曲的蒼涼底色，形成了奇妙共振；陳楚生的《將進酒》中，觀眾在層次分明的民樂中，體會到了鮮活的快意灑脫；單依純一首《珠玉》讓全網目標聚集在她絲滑的轉音，純凈之中亦有情緒穿透力。

當音綜不再關注“誰的音最高”，而是著眼于歌手們在編曲上編配的細節以及不同唱法的層次與質感，《歌手2025》節目引入的 L-ISA系統正是這一變革的幕后推手。

基于3D空間聲場的混音與還原技術，觀眾切實感知到聲音如何在空間中流動、如何服務情緒，以及如何與舞臺敘事產生共振。

盤活內娛，功在L-ISA？

技術改變一場場演出，也悄悄改變了觀眾對聲音的認知。

延續上一季的打法，本季《歌手2025》仍舊選擇L-ISA系統——來自法國L-Acoustics的高端現場音響技術，它改變了傳統的立體聲輸出方式，試圖重建聲音在空間中存在的真實感。

事實上，我們可以從錄音工業的發展脈絡中，感受到L-ISA系統的強大之處。

數個世紀以前，人們要坐在劇場中聽古典音樂。所有樂手都集中在舞臺這一個“平面”上，觀眾只能從前方向后方依次聽到樂器的排列。在那時，作曲家馬勒嘗試打破限制，在《第二交響曲》的演出中將銅管或者打擊樂器安排在劇場高處，盡力地來打造聲音上的層次感和空間感。

后來，單聲道擴音技術誕生，所有觀眾只能聽到單一揚聲器中單薄而相同的內容；隨后是立體聲時代，由左右兩個通道模仿人類雙耳，有些了“空間效果”，但也誕生了“皇帝位”，只有位于中心位置的觀眾能感受到最佳效果，邊緣位置則聽感失真。

Pink Floyd是立體聲時代的先鋒。從上世紀六七十年代開始，他們嘗試在演出中實驗四聲道，并為此打造了一臺模擬聲像移動控制臺，使用操縱桿控制聲音在四個揚聲器之間的分布和移動路徑，讓音效實現動態旋轉。

這一嘗試也啟發了臺下的Christian Heil，L-Acoustics的創始人。

1992年，他和團隊開發出第一代線陣列揚聲器。2016年，L-Acoustics正式推出L-ISA系統，目標是為現場演出帶來更具沉浸感的聽覺體驗。與杜比全景聲這類多用于影視后期制作的系統不同，L-ISA從一開始就面向真實現場，并不是為了重現聲音，而是在現場演出中創造全新敘事。

在《歌手2025》的幕后，L-ISA的沉浸式閉環系統在處理器、揚聲器、功放等方面裝備齊全，更開發了前端的各種模擬插件，讓表演團隊自由調配、定制沉浸式的音樂現場。

據悉，在傳統的立體聲演出中，音頻混合的“最佳聽歌”位置只有場地的5%。但隨著揚聲器配置、聲音算法映射技術的創新，沉浸式音頻系統能快速計算出時間和振幅的差異，以確定聲音的位置，讓場館“最佳聽歌”位置的覆蓋面積顯著擴大到場地的90%，

對于觀眾而言，L-ISA音響系統寬廣而均勻的聲場，可以讓現場任何位置的觀眾都能被四面八方的樂器環繞，精準地捕捉到聲音中的樂器層次與編曲設計。我們也注意到，在這一季《歌手2025》便順勢延續現象級熱度的同時，1919 Livehouse也成為國內首個安裝 L-ISA 系統的Livehouse。

時至如今，上一季《歌手》打出的“比真實更真實”的slogan，似乎絕非音綜的行業噱頭，而是現場音樂行業中嗅覺最靈敏的一批人，逐步引領關于演出體驗革命式的可能。

近幾年，L-ISA系統越來越多地出現在Adele、Lady Gaga、Madonna等全球頂級藝人的世界巡演中，搭配萬人體育館和數百萬美元制作預算。

例如，2024年5月Madonna在巴西里約熱內盧海灘上的巡演收官站，為了能在開闊的海灘上保持一致的音樂風格，團隊部署了一套龐大的L-ISA音響系統，配備了624個揚聲器，由212個功放控制器驅動。

這種被視為“頂奢”的聲音系統，正在被引入小型Livehouse。

2018年，英國倫敦的EartH成為歐洲第一個搭載L-ISA系統的小型演出場館，一直以來都被L-Acoustics 公司視為“向業界展示L-ISA系統的窗口”。而在中國，1919 Livehouse成為第一個嘗試者——在有限的空間中部署沉浸聲系統，挑戰的是空間與技術的雙重邊界。

在項目啟動之初，1919團隊聯合 L-Acoustics中國合作伙伴華匯音響，從零開始共建。

據華匯音響沉浸聲藝術應用總監李峰介紹，“我們并不是依靠預算進行設計，而是完全依據場地進行設計、保證能夠對聲音負責。”事實上，1919 Livehouse整個設計流程與L-Acoustics 應用于國家級劇院和大型演唱會的技術規范無異：先通過Soundvision建模軟件進行空間建模與聲學模擬，反復驗證音箱型號、吊掛角度、聲壓覆蓋等參數，確保紙面方案和現場體驗之間的偏差最小。

“Soundvision可以給到很精確的參數，包括音箱之間的角度、吊掛是抬頭還是低頭、吊掛的位置。”李峰介紹到，“我們會把產品的特性結合場地的特性，調適到最適用于使用方的使用方案。”

最終，落地方案采用了主擴、前區補聲、超低頻、觀眾區環繞及頂部環繞組成的全沉浸布局——12.1.6 聲道結構，即12個水平環繞聲道、1個低頻聲道、6個頂部聲道，遠遠高于傳統5.1或7.1影院系統，也高于目前沉浸聲中常見9.1.6布局。對于Livehouse而言，這種級別的系統搭建堪稱前所未有。

1919 Livehouse主理人胡湖回憶，在與L-Acoustics團隊前期溝通中，最擔心的是五串音箱會遮擋舞臺屏幕與燈光。但通過選用A15型號并重新搭建龍門架，最終視覺與聲場效果兼得。“我們的布局是真正360度環繞，頂部和四周都布置了音箱，既增強了聽感，也沒有出現延遲問題。”

他也提到，“在Livehouse里設計布局時，我們會考慮場地承接的演出內容。搖滾、金屬這些風格對響度和聲壓級都有較高要求，系統也必須支撐得住。”

5月底，1919 Livehouse舉辦了首場L-ISA沉浸聲LIVE賞析。在現場，莫非定律樂團與電氣櫻桃兩支樂隊作為體驗嘉賓，以全新的編曲與聲場設計重新演繹熟悉的旋律。為了呈現L-ISA系統的感染力與空間感，兩支樂隊都不約而同地在選曲上花費了很多心思。

比如莫非定律樂團的選曲《燈下黑夢記》，就在開頭將若有若無的呢喃聲交給觀眾區頂部的環繞音響，隨后鼓聲轟然落下，為整個聲場推開一扇門，合成器的琶音從四面八方涌來。

從這一次音樂人的實操反饋來看，L-ISA系統并非演出階段的沉浸式體驗——它正在改變音樂人從“編曲階段”開始的創作方式。電氣櫻桃的主唱肖懿航在現場提到，為了能讓觀眾感受到L-ISA系統的沉浸感，他們特別挑選了幾首風格迥異的歌曲進行演繹，從《春風超市女孩》到節《Mr. Charlie and I》，每一首作品在L-ISA系統中都構建出截然不同的聽覺場景。

莫非定律樂團則在VJ上融入了頗多的巧思，讓L-ISA系統來打造更沉浸的觀演體驗。例如，在《日落計數器》尾聲合唱段落中，隨著女主唱從舞臺左側移動到右側，聲音、畫面和歌詞也隨之流動，精準對應位置；《誰是深海星》以雨林實景為背景，打雷聲響起時，天空同步閃現閃電。

這背后，是技術支持平臺的開放。華匯音響沉浸聲高級工程師于濤介紹，目前L-Acoustics已將L-ISA Studio免費開放給全球音樂人。音樂人可在錄音棚甚至家中完成三維空間的聲音設計，并通過標準格式輸出適配不同場地，“這就像讓聲音從二維被拉伸成三維。”

著名調音師/混音師佐鑫認為這極大擴展了他的工作空間：“以數字化流程來說，我們可以先在家里做好調音文件，到現場只需摳細節。更重要的是，不用再靠‘猜’觀眾的聽感，系統本身就是一種可視化的聲音標準。”

Livehouse，為何需要L-ISA？

“感謝1919 Livehouse的L-ISA沉浸式擴聲系統，讓我們享受這么一場完美的演出。”

ShangHaiQiuTian上海秋天樂隊用L-ISA系統演出后，有觀眾這樣回憶當晚的現場感受。此前，木馬樂隊也用L-ISA系統完成了專場演出。

“聽得更爽了”、“北京還是吃得太好了”……不少觀眾在社交媒體上表達了類似的興奮與滿足。而對演出團隊來說，這場地的升級不僅是音響層面，更是演出體驗與呈現方式的系統性躍升。

這一點也得到了School主理人劉非的確認：“L-ISA最直觀的特點，是那種全景聲的包裹感。”劉非表示，雖然對普通觀眾而言，這種聽感可能沒有技術語言能描述得那么精準，但對業內樂手、調音師來說，這是一次實打實的“感知升級”。

“目前中國很多Livehouse并不重視聲場。”另一位Livehouse的主理人透露。大部分場地依然以傳統線陣列音響為主，且存在房間聲學處理不足、監聽系統分布不均、音控臺與觀眾席位置不匹配等問題。

“你站在黃金點是完美的，但一旦靠邊，聲音就開始偏移，現場感會大打折扣。”劉非解釋說，這幾乎是所有中大型Livehouse公認的“物理限制”。

對此，1919 Livehouse創始人高航認為，“Livehouse行業一直缺乏一次內容層面的硬升級，就像電影從單聲道進化到杜比，這是遲早的事。”在創辦1919 Livehouse之前，他還經營著奔跑怪物、勇士音樂兩家深耕影視音樂的公司，作為Livehouse市場的“后來者”，他更容易從外部視角看清行業的結構與痛點，從而在設備升級上大膽投入。

如高航所說，“真正改變行業的，往往不是行業里的人。”

“最開始有人勸我買點二手設備對付一下，但我認為內容本身才是核心。”他提到，“我們沒有因此提高場租，而是希望讓更多音樂人擁有這次全新的體驗。”

“我們做這個系統，是為了未來。”1919 Livehouse主理人胡湖也補充道，“我們期待每個音樂人都能用它做一次‘特別專場’。哪怕是已經不演Livehouse的藝人，也會被這套系統吸引回來做一場‘限定演出’。”

目前，佐鑫受任1919 Livehouse的音響總監，全新的系統讓他放開拳腳，呈現更多種聲音可能，“調音師在L-ISA系統比在立體聲的系統里能更好表現出每個樂器的空間定位和音色，因為所有樂器不用‘擠’在兩串音箱里。按照樂手的站位，很方便快速地把樂器放在了你眼睛所看到的位置。這樣就可以做出一個很寬廣的聲場。”

這不僅提升了觀演體驗，更重塑了演出的動態結構。正如劉非在采訪中提到的：“這種系統是為樂隊服務的，它不能改變樂隊的演出邏輯，但它可以讓那些編曲層次豐富、空間感復雜的樂隊，被更好地呈現出來。”

所以說，L-ISA與1919 Livehouse攜手便是給Livehouse行業更多可能，讓觀演體驗升級，讓樂迷聽點好的。

Livehouse行業經歷了諸多起伏，潮水般新場地開放、疫情期的停擺以及線下文化復蘇中的內容焦慮。當Livehouse成為一種全新的生活方式、Livehouse巡演也逐步走向規模化、標準化時，現場演出的賣點早已不局限于情懷和氛圍，而是應當走向體驗升級的“硬實力”，形成自身在行業之中的壁壘。

換言之，L-ISA系統的技術更新不僅關乎場地的吸引力，更關乎樂迷的忠誠度和藝人創作的方式。

對于樂迷而言，Livehouse將不再只是近距離互動，而是聲音與視頻、燈光聯動的沉浸體驗。用戶體驗標準被抬高，體驗升級有望成為觀演“新剛需”。

對音樂人而言，現場將不僅依賴于調音師的主觀感受，而是與“空間聲場”合作探索聲音的更多可能。當聲音可設計可定位，為演出內容打開全新結構。與此同時，現場演出的想象力被打開，也將醞釀著更多元的創作可能。

正如高航所強調，搭建L-ISA系統不僅僅是一次技術投入，而是對1919 Livehouse“做品質，促創造”的雙重定位的回應，“高品質場所激發音樂人的創作，這是我們創立這個場地的初衷。”

站在行業的視角來看，過去Livehouse重“氛圍”輕“技術”，如今則是“技術賦能氛圍”，演出不再是唱片的重現，而是成為一種全新的設計和表達。

在胡湖的愿景中，L-ISA并不只是“更好聽”，而是意味著聲音系統第一次變成音樂創作本身的組成部分。“每個場地都應該有自己的特點，而L-ISA會成為我們獨樹一幟的特色。”