《雅歌》展對話后記：女性于角色多重間，守護創作之勇與自由

文/海珍

北京的冬日寒意漸濃，《雅歌》展覽卻為這座城市注入了溫潤的藝術暖意。此次展覽匯集何韻蘭、裘兆明、林萱、邱堅、孫路、范一冰六位藝術家近年來的新作與代表力作，六位創作者以各自獨樹一幟的創作語言與藝術風格，跨界對話、交相輝映，共同譜就一曲沁人心脾的藝術樂章。至此，為期一月的展覽已悄然落幕，而展期內次第開展的十五場沙龍雅聚，仍歷歷在目——藝術家們以藝會友，在思想的碰撞中激蕩靈感，在深度的探討中沉淀感悟，更在坦誠的交流中凝聚起真摯綿長的同行情誼。展覽雖已收官，余韻卻如雅樂流轉，久久不散。這場一期一會的藝術之約，不僅為凜冽冬日暈染開一抹溫潤亮色，更在時光中留下了雋永的藝術回響與人文溫度。

其中，于2025年11月16日，由《雅歌》展委會與北京女美術家聯誼會聯合主辦的“女性·藝術·人生”對話沙龍尤為深入人心，沙龍邀請了陳雅丹、潘纓、韋紅燕、劉麗萍、安佳、胡里、袁玲玲等數十位藝術界朋友齊聚一堂。在對話開始之前，由六位參展藝術家分別介紹了自己的作品。

藝術家何韻蘭介紹，本次展出的作品包含多幅今年下半年完成的新作，是繼她在中國美術館個展之后，想要有更放松的表達。她感慨，在當下多元的藝術環境中，保持自我并持續探索“好玩”的表達并非易事——這也是她仍在追尋的方向。她特別提及老師黃永玉先生所給予的啟示，即藝術最珍貴的莫過于心靈的自由。這種自由的狀態，她至今仍在尋覓。

藝術家裘兆明言，自己的創作始終扎根于鮮活的生活肌理——紹興水鄉的小橋流水、云南村寨的吊腳樓，還有年幼時“逃難”途中的見聞印記，皆為靈感的不竭源泉。受老師們熏陶，她的作品既重色彩的靈動表達，更執著于捕捉內心最真切的情感共鳴，讓生活的溫度與感知的深度在筆墨間自然流淌。

藝術家林萱向觀眾介紹，她的作品寄托著對家鄉的深切懷念——重慶的山水、樂山的古佛，都在筆觸間凝成靜謐而深沉的回響。她希望借由這些熟悉的景象，傳遞出對世界和平的誠摯祈愿。

藝術家邱堅介紹自己從漆畫到油畫的歷程，以及最初想要去“打基礎”，學色彩，受先生影響，開始注重自己想要表達什么。對她而言，是一條從“學習如何畫”走向“明白為何畫”的路徑。

藝術家孫路分享了她對坦培拉這一古老畫法的理解與創作實踐。她細致介紹了坦培拉的歷史淵源、傳統技法及其細膩嚴謹、富有層次感的特點，特別提到其在創作中常常帶來一些“難以預設的肌理與微妙的色彩變化”，這也正是坦培拉的魅力所在。

藝術家范一冰介紹道，這批作品均為此次展覽全新創作，其中部分甚至嘗試在非常規材料——如洗碗布上完成。它們在風格上與以往截然不同，用色大膽鮮明，同時她也首次探索抽象語言的表達。這一切嘗試，旨在突破自我創作的邊界。

在賞析完展覽作品之后，嘉賓們圍繞創作、生活與成長展開了一場真誠而深刻的對話。她們中有資深前輩，也有中青年力量，雖經歷各異，卻在藝術與生命的交匯處呈現出驚人的共性：在多重社會角色的擠壓中堅守創作，以柔韌而堅定的姿態，將生活轉化為藝術的養分，并在自我覺醒與集體共鳴中不斷前行。

多重角色與時間爭奪：女性藝術家的生存現實

沙龍中，多位女藝術家不約而同地提到女性在家庭、職業與社會責任中的多重身份。陳雅丹以“水”為喻，指出女性需靈活適應生活賦予的角色：“結婚、生子、做家務……這些都是繞不開的責任。”她坦言自己曾排斥這些瑣事，但最終選擇“坦然接納”，并“擠出所有能利用的時間去畫畫”。

北京服裝學院教授安佳的經歷也很有代表性。她身兼行政職務、教學任務與家庭重擔，卻仍在1993年牽頭在學校成立新的學系并推動碩士研究生平臺的建立。東北錫伯族后裔血液中的那份大氣豪爽一直在她內心涌動，“總覺得自己還能做點什么。”是驅動她一直前行的動力。

退休后，她欣慰地看到該系發展為美術學院。她說，“總覺得自己還應該前行！”

這種“擠時間創作”的狀態，幾乎是所有在場藝術家的共同體驗。她們并非生活在真空的“藝術象牙塔”中，而是扎根于現實土壤，在瑣碎的日常生活與家庭負重中尋找創作的縫隙，并盡可能地保護著自己身上的力量，不甘心被磨損。

藝術作為精神軌跡：從現實到表達的轉化

“藝術創作對我來說，啟發了我對世界的感知和感物的興趣，也啟發了我想表達這種興趣的探索。”韋紅燕在沙龍開場時的這句話，為她的藝術哲學定下了基調。她提出了一個獨特的“生命雙軌跡”理論：“我感覺我的生命有兩個軌跡。一個是無常的日常生活，吃喝玩、工作等等，形成了一種生存方式；另一個是藝術上的軌跡，是現實生活背后的心理活動形成的，看不見摸不著。”

這種對生命軌跡的深刻認知，使她的創作超越了單純的技藝層面，進入到精神表達的深度。她將創作過程精辟地概括為：“把現實的信息轉換成精神信息，再把這種看不見的非物質的東西物化出來，形成作品。”在這個轉化過程中，她特別強調心理活動的重要性：“這種心理活動里有對生命、對各種事物的問詢、疑惑、感知和感悟，很多沒有結論，但有情緒上的活動。”

生命階段的轉變在她的創作中留下鮮明印記。她坦言："等結婚生子后，從孕育到養育孩子的這段時間，人就變了，現實變了，心態也變了，有了前所未有的愛，我覺得女人大概都會走過這樣的路程。"這個時期的代表作《三月風景》，源于她帶著年幼孩子在小區轉悠時的敏銳感受。

隨著人生閱歷的豐富，她的創作主題也走向更深層的思考。《誘惑》系列的創作源于她對罌粟花的獨特感悟：“花本身沒有罪惡，是后來被人利用變成了毒品。我借用罌粟這個道具，創作了《誘惑》系列，想表達世界上各種各樣的誘惑。”在創作過程中，她進一步深化認識：“畫著畫著我感悟到，誘惑源于欲望，沒有欲望就沒有誘惑。”

胡里的創作則是對生活物象的深度共情。2015年萊州寫生時，一艘殘破卻堅韌的老式木船觸動了她，由此誕生了“老船”系列作品。她以藍色調勾勒船的筋骨，既展現其馳騁大海的輝煌過往，也傳遞出殘破之下的生命力量；而“老椽”系列則源于雨中寫生時對殘留房梁的凝望，那些缺失梯子的老舊房屋木架，承載著家庭的溫暖與煙火氣，最終以長卷《靈界》被婦女兒童博物館收藏。

對胡里而言，這些看似普通的物象早已超越了本身的意義，成為承載情感與故事的精神載體，而仰視的創作視角，正是對生活本身的敬畏與珍視。“這些作品已不能用單純的物象來界定，它們承載著過往的故事。”

“創作過程中并不需要想太多，也不用一定要去畫宏大的題材，那些生活中瑣碎的、不經意的發現都是創作的素材。”劉麗萍在沙龍中的這句話，恰是她藝術道路的最佳注腳。

1987年在附中圖書館，她第一次看到弗洛伊德作品時深受觸動：“他竟然能將生活中瑣碎、甚至像垃圾一樣的日常事物，組織成完整的畫面。”這個發現讓她確信，藝術的真諦不在題材大小，而在于發現的眼光。

“最初畫靜物花卉，有時候繪畫中被鼓勵，比如畫小菜園，被廣軍老師鼓勵，于是繼續畫了下去。”對日常生活的敏銳感知，奠定了她始終扎根生活的創作態度。

劉麗萍用她的藝術實踐告訴我們：真正的創作，就是在生活的土壤中深耕，在尋常處發現不尋常。

性別意識與自我覺醒：從“被定義”到“自我定義”

潘纓的發言直指性別議題。她雖成長于“男女平等”的教育環境中，卻在生活中遭遇諸多男女被區分對待的不公：小學因膚色白皙被批評“嬌氣”，中學勞動時，餓了想多吃個饅頭，會被媽媽教育“要比男生少吃一個饅頭才好”，畫兒在畫廊賣得很好，卻因為買家知道了作者是女性而因被退貨……即便是如此，她依然沒有改變要強的個性，在部隊中，堅持參加跑步比賽，且成績比男生更強。越是被外部環境擠壓，越是激發出了她內在的力量與個性。這份逆動力也一直驅動著她不停歇地大步向前。她在男性主導的環境中堅持成長，20多歲時因“女性的覺醒”創作出一批代表作。她說：“我的成長更像一場賽跑——要和男性一樣強大！”

袁玲玲則坦言自己曾害怕被貼上“女性畫家”的標簽，擔心失去話語權。后來她逐漸打破性別壁壘，“開始真正追求自我作品的質量，直面和探討問題的本身”。

這種從“被定義”到“自我定義”的轉變，是許多女性藝術家共同的心靈歷程。她們不再回避性別身份，而是將其轉化為創作的動力與視角。

創作與生活的互文：藝術是生命的另一種敘事

陳雅丹提到，她不僅畫畫，還作曲、寫詩、縫制衣服，并參與公益環保，“這些看似和繪畫無關的事，卻讓我的生活變得格外充實”。她的藝術不再只是敘述個人，而是與整個時代與社會鏈接。作為“五彩石”元老級藝術家，她發起了頗具影響力的“藍絲帶”公益行動。陳雅丹說：“我們始終相信，這個世界缺了女性藝術家的作品是不完整的。”

如今，她和日常生活相互滋養著的，從不得不做一些家務，到享受家務中的樂趣，她與自己已經達成了完全和解。

劉麗萍的那句話“年輕的我們無所畏懼，根本不擔心未來如何，只是憑著一股沖勁硬著頭皮畫。”讓現場很多人動容，這種勇氣源于她對創作本質的理解——真誠比技法更重要。當有國外評論家說她的作品“有點像德國畫家基弗的風格”時，她坦誠回應：“我畫的只是北京郊區的土地，比如圓明園和頤和園邊上的荒地。”這種不刻意追求風格，只忠實于自我感受的創作態度，讓她的作品自然流露出獨特的藝術個性。當藝術創作完全忠實于內心，就會獲得極大的自由。

韋紅燕自我評價作品有點龐雜，但她認為這正是生命軌跡的真實寫照：“回顧自己的作品排列，會發現這其實是生命另一種形式的軌跡，是成長的軌跡，可能在不斷成熟，也可能還在幼稚，因為有些問題永遠解決不了，我們一直在成長、一直在詢問，作品也是如此。”這種將藝術與生命成長緊密相連的狀態，也正是無數藝術家的成長路徑。

藝術家何韻蘭在沙龍尾聲時感言，女性藝術家展現出一種動人勇氣與堅持，從感知到感受，從精神到心靈，是經歷了很多掙扎與不放棄之后才獲得的創作自由，那些“漂亮的小叛逆”所成就得不止是藝術上的個性探索，更有人格上的完整與飽滿。

是的，在這場沙龍中，呈現的不僅是各位藝術家的個體發言，更是一幅女性藝術群體的精神圖譜。她們在家庭、職業與社會的多重角色中穿行，在時間與精力的擠壓中守護著自己內在最本真的感受與創作的力量。她們不將性別困境作為羈絆，反而轉化為動力，她們將如水的智慧融入生活與藝術創作中，從不言放棄，永遠在場。

策展人、藝術家孫玉珍總結說：“女性的美，既藏在藝術作品的靈動筆觸里，也顯在人生旅途的步履中。”這句話或許正是對這場沙龍最好的總結。藝術于她們，不是逃避現實的烏托邦，而是與現實對話的另一種生命呈現方式。在彼此的溫暖的交織中，活成了自己最想抵達的樣子。這也是此次沙龍最動人的地方。

沙龍在陳雅丹優美的詩歌朗誦中溫馨結束，而屬于女藝術家們的內心對話，才剛剛開始。

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