在嘉興，這個青年影展讓“首作之上”的所有問題透明化

吳天明青年電影展正在直面問題：為什么那么多導演拍完第一部作品就消失了？影展將主競賽單元命名為“首作之上”，正是在當下語境中發出一次回響：相比沉迷首作的光環，不如勇敢面對連續創作的復雜性；拍出第一部作品不再是難事，真正的挑戰是，如何穿越節展體系、保持創作節奏，并最終抵達觀眾。

作者：小杜????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????

編輯：藍二???????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????????

版式：王威

在當下的電影市場里，青年導演往往缺的不是才華，而是路徑。首作如何走向院線？如何進入觀眾視野？如何可持續創作？創作之外，他們也急需補上一門產業的必修課。

正因如此，在已經有平遙、FIRST等主打青年影展的今天，還有人選擇再辦一個影展，將自身的核心命題定為“首作之上”。這正是近期第一屆吳天明青年電影展給我們帶來的新的震動——與其他影展強調“發現新人”不同，它要直面一個更棘手的問題：當新人完成第一部作品之后，接下來怎么辦？

他們希望理性打破“出道即巔峰”的幻覺，也在提醒所有人，不要只用浪漫濾鏡看待首作，而要承認創作的連續性與復雜性。青年導演需要的是持續創作、持續被看見的機會。

首作不是終點：走向“首作之上”

為什么那么多導演拍完第一部作品就消失了？

在電影創作的旅程中，首作既是開始，也是一道門檻。它或許驚艷，甚至足以留下風格印記，但卻無法自動通往下一部作品。我們總是聽說大師們“出道即巔峰”的故事，卻很少看見創作者如何一步步走遠。

這一次，吳天明青年電影展選擇直面這個問題：在導演完成首作之后，接下來呢？

影展這次將主競賽單元命名為“首作之上”，這種命題，正是在當下語境中發出的一次回響。相比沉迷首作的光環，不如勇敢面對創作的復雜性與連續性。在這個時代，拍出第一部作品不再是難事，真正的挑戰是，如何穿越節展體系、保持創作節奏，并最終抵達觀眾。

許多新作在影展上一鳴驚人，卻在市場上映后遇冷，被悄然遺忘；也有導演完成首作后陷入漫長的等待，逐漸失去起初的鋒芒。院線的不確定、資源的稀缺、觀眾注意力的分散……這些都讓可持續創作成為一種不小的考驗。

欣慰的是，“首作之上”并非一句口號，而是貫穿本屆影展策展邏輯的內核。他們將《伊萬的童年》《旺角卡門》《橡皮頭》等世界名作，與中國影史中的關鍵首作并置：《沒有航標的河流》既是吳天明本人的創作起點，也是對影展名稱的呼應；《一個和八個》《黑炮事件》則是第五代導演們在體制轉型期完成的突破性探索。這些作品與今日青年導演的新作同臺，構成了一種跨越時空的首作對話。

影展將青年導演的15部長片首作/二作置于同臺亮相，不做嚴格的劇情或者紀錄區分，讓青年導演置身于一個多維坐標中被觀察。他們不再是常規影展中孤立的作品，而是在電影史、產業邏輯、觀眾審美中被重新定位。這種不拘一格的征片方法，使青年創作跳脫出孤島式幻覺，從而進入一種更長期、更動態的評價機制。

對于新媒體和觀眾評審而言，這意味著我們在觀看這些作品時，不再只以對首作的寬容或獵奇作為判斷標準，而是試著代入對導演后續路徑的好奇與信任。在這里，青年影展的意義也有了新的升華，它不再是首作的展示櫥窗，而是創作者邁向“首作之上”的助推平臺。

片單即方法：新作、經典與跨國對照

如果說前者是策展制度上的回答，那么影展的片單設計，就是審美與方法論上的實踐。吳天明青年電影展的策展思維在國內影展序列中，是一種很難得的存在，除了傳統的主題分類，那種在片目之間的微妙串聯，更為寶貴。

一次合格的策展該如何體現？片單不應該是單純的影片堆疊，而是一種價值排序、一種觀看引導。這屆吳天明青年電影展中，策展人選擇的路徑在大方向上相對清晰，一方面通過新作構建當下的影像景觀，另一方面通過經典與國別單元建立歷史與國際的參照系。觀眾在這樣的對照中，不僅能看到青年導演的新鮮嘗試，也能理解“首作”的意義。

這份意義的存在，首先是“盡可能的新”。不同于其他影展在競賽單元為提高可看度，傾向于選擇已經在國際電影節露面的作品，本屆影展更多地將視線投向那些“沒來得及被看見”的影片。除了《翠湖》這樣在上海國際電影節已披露品質的作品，大多數入圍影片都屬于新人導演首作，這些作品因制作周期等多種原因，錯過了上半年主流影展的投遞窗口期。而吳天明青年電影展則在這個秋天，為他們提供了一個新的平臺，讓這些作品獲得集中曝光。這樣的選擇，既維持了片單的首映率，也保證了青年作者的實驗性和多樣性。

其次是多風格的混搭。從小眾實驗到類型嘗試，從紀錄片到劇情長片，這份相對廣泛的片單，也在其中注入了自己的思考，其中有幾部影片我們想特別提及。

《舞林錄》作為補錄的項目，影片早早地在2023年鹿特丹電影節首映，作為一部聚焦初代網紅和尬舞群體的創作，它代表了極度個人化的實驗路徑，以及充滿影像身體性的探索。這種探索讓其上映之路額外困難，而來自此次影展的反饋，或能讓主創堅持幾分登陸院線的信心。

而本次節展最類型化的《一息尚存》，則選擇了極具挑戰的懸疑災難創作，導演通過窄空間絕望的視聽調度和社會議題的初步探索，嘗試在中小成本條件下，完成了一部緊張刺激的懸疑敘事。類型化的完成度之高，對于青年導演已屬分外不易。

另一部《二十四味》透過厭食癥和廣府涼茶的符號，講述了一場愛與諒解的躊躇，導演用精煉的表演和細膩的視聽，讓這場中式的妥協躍然于銀幕之上。

《無盡之旅》雖然在技術和文本層面略顯“偏科”，卻體現了青年導演在前沿視聽語言以及公路科幻風格上的探索欲望，這種不完美但大膽的并置，本身就是影展的價值取向，這也讓不同風格的青年創作，都留出被看見的可能。

同時值得一提的，即是紀錄片單元，今年入圍的15部影片中，有3部紀錄片，在同一競賽標準下，這個比例絲毫不低于國際節展。尤其是在紀錄片生態并不樂觀的當下，這種著力扶持尤顯珍貴。其中一些迸發出的生命力頗為有趣：典型如《一百五十秒》，這是聚焦女子藝術體操的創作，將競技體育的張力與個人成長的細膩結合在一起，以體操運動員的短暫高光時刻映照整個訓練體系的困境；又有《爺爺奶奶的那些事》，以私密的家庭影像構建一段代際敘事，在家庭錄像的瑣碎中，開掘出深厚的情感力量。

這些作品在內容上或許并不那么“討好”市場，但卻為影展的氣質增添了另一重維度——這批青年導演，不僅追求敘事的突破，也在記錄中關注現實、追問記憶。

從排片體驗來看，這種多元片單也被設計成了一種節奏曲線。早場通常以大師首作或知名度較高的作品定調，確保觀眾進入觀影狀態；午后則安排“首作之上”相對穩定的新作，讓映后交流成為觀眾與創作者最近距離的對話場；夜場則留給經典或迷影向的作品，以確保情緒上的高潮和余韻。雖然每日平均四部影片的密度極高，但得益于這種節奏分布，觀眾的觀影體驗并不會顯得疲憊，反而在張弛之間維持了參與感和新鮮感。

不止拍，還要被看見：補上產業必修課

如果說“首作之上”的核心在于如何持續創作，那么真正的挑戰在于，一部作品被拍出來之后，如何抵達觀眾。這也是本次影展中論壇的核心內容，對青年導演而言，創作往往是最直接的欲望表達，而宣發與通路則是他們最陌生、也最無力的環節。

很多首作之所以陷入“只聞其聲、不見其人”的困境，并不是因為作品本身不夠鋒利，而是因為在宣傳和發行層面缺乏經驗、缺少資源，無法突破市場的重重藩籬。吳天明青年電影展在論壇設計上的一份獨到之處，正是將目光從“拍什么”轉向“如何被看見”，為青年導演補上產業層面的必修課。

本屆影展共設置了三場核心論壇，分別聚焦于信息傳播、影院排片和觀眾社區。

第一場圍繞“從信息洪流中找到觀眾”，探討在社交媒體與短視頻主導的輿論場中，影片如何建立識別度與話題度。新媒體評審的引入，讓青年導演必須正視作品如何被平臺轉譯、如何借助話題制造口碑。

第二場以“影院中小成本影片的發行經驗”為主題，通過主力票房市場一線工作人員的交流，聚焦院線傳播端的現實，中小體量影片如何在排片競爭中找到生存空間，如何通過靈活的檔期選擇和點映機制放大聲量。

第三場則強調“影迷社區到大眾傳播”的鏈路，討論如何從核心受眾擴展到普通觀眾，從線下映后到線上裂變，形成真正的口碑擴散。

這種論壇設計的核心價值，在于把宣發視為一個完整的產業鏈條，上游是影管與出品公司，負責項目的啟動、與院線溝通；中游是影院與院線系統，決定作品能否進入大銀幕；下游則是觀眾社區與新媒體，它們的反饋直接決定了影片的后續熱度。青年導演在這樣的語境中，不再只是作者，也必須理解作品如何在鏈條的不同環節被接收、被轉譯。影展通過這種全鏈路的公開討論，把原本封閉在行業內部的知識透明化，讓青年導演和普通觀眾都能看見影片通向市場的真實路徑。

值得一提的是，今年的論壇還分別邀請了青年演員于適、蘭西雅作為對談嘉賓。他們一方面代表了當下青年觀眾的審美趣味，另一方面也象征著產業端的實際選擇，當紅演員如何看待青年作者的合作機會，他們的參與如何幫助影片在市場上贏得關注。

與此同時，影展還設置了“光影助力人”等制度，讓部分新興演員在觀影前進行推介和互動，時刻與觀眾保持同在，這種操作既是氛圍的營造，也是口碑傳播的種子。從這個意義上說，“首作之上”的議題在論壇中得到了最現實的回應。它提醒我們，電影首作不是終點，而是進入市場、進入觀眾視野的起點。

觀眾與城市：口碑如何生成生態

如果說行業論壇試圖解答“如何被看見”，那么觀眾與城市，則共同回答了“被誰看見”。青年導演的創作最終能否成立，從來不只是作者與產業的事，更依賴于觀眾的回應與城市的承載。

在本屆吳天明青年電影展中，觀眾的角色被前所未有地前置。他們不再只是映后的點頭者，而被直接納入評審體系之中。從映后的榮譽投票、問卷反饋，到線上轉評贊的二次傳播，構成了一個既真實又鮮活的口碑生態。

今年的主競賽單元中，15部影片均設置了觀眾榮譽與新媒體評審環節。問卷不僅要求打分，還引導觀眾從節奏、人物、敘事、潛力等多維度做出反饋。導演們能夠第一時間接觸這份來自前線的改進清單，也讓觀眾成為創作鏈條中的一環。這種反饋機制直接，甚至尖銳，但對初登場的青年導演而言，也正是他們最稀缺的真實聲音。

與此同時，影展還邀請了來自知乎、公眾號、微博等多種平臺的大V參與新媒體評審，讓這些作品在影展期間即獲得專業傳播通道。相較于傳統影展散點式輿論，這種系統化的線上發聲更貼近當下的傳播節奏，也為青年導演積累起下一部作品的第一批關注者。

而這一切，不只發生在銀幕和平臺之間，更深植于城市肌理之中。吳天明青年電影展落地嘉興，也帶著主題上的一份深度合拍。這個具有開拓意義的城市，它本身就承載著“首創”的象征意味，歷史與創作的互文，也賦予了影展更深層的文化嵌入性。

這種“城市+觀眾”的復合路徑，讓吳天明青年電影展不僅快速接入區域文化網絡，也形成了面向未來的青年創作生態。在這個閉環中，導演帶著作品而來，觀眾和平臺托舉作品進入公共輿論場，而城市，則將這一切變成可持續的文化土壤。

我們或許更應該明白，影展的意義從不止于展映、論壇或評獎，它更在于不斷生成一種真實、柔軟而長久的關系，讓青年導演不再只是單點爆發的個體，而是置身于一個互為支撐的網絡之中；讓電影不只是“被看”，而是“持續被理解”；讓城市不只是放映的場所，而是創作能量的蓄水池。

“首作”當然值得敬畏，但真正值得敬畏的，是在首作之后，青年導演還能如何一次次走下去。當影像與觀眾在此刻匯聚，我們能真正相信，簡單純粹的“首作之上”，就是讓青年電影繼續走下去的全部理由。

THE END