AI藝術的范式革命：從復制共享到價值體系的重構

文|Hero Pavel，作者授權首發

01

AI藝術的本質：共享與復制對傳統價值體系的瓦解

如果AI藝術的核心價值在于交流與共享，那么它將從根本上觸及藝術某些方面的本質屬性，并有別與當代藝術的價值觀。AI藝術不僅具備數字藝術的永久性和可無限復制的特性，更因其機器主導、人力輔助的創作模式，實現了快速生成、低成本和穩定的高質量輸出。這些特質共同作用，有望對建立在稀缺性、獨創性和手工價值之上的傳統藝術價值體系構成根本性挑戰。

傳統藝術的市場與商業價值建立在內容與形式的唯一性之上，包括其作為歷史見證與精神標志的重要意義。稀缺性與不可復制性使其顯得珍貴且值得收藏。然而，當藝術的價值不再依賴于被收藏，當其內容、話題性與觀賞性在滿足交流與分享之后，其物理屬性的價值便同時喪失了。屆時，作品的物理存在——無論被質疑、推翻、遺忘、拋棄、毀壞，還是被收藏或流通于二級市場——其最終結果都已不再重要，因為作品已經完成了其信息傳播的使命。

02

破局者AI：打破當代藝術困局的新利器

面對AI藝術，有兩種截然不同的觀點。一種認為它是一種倒退，錯誤地認為AI只能模擬人類創作，從而影響和阻礙了人類藝術的發展之路。另一種觀點則認為，AI反而是打破當代藝術困局的利器。當代藝術所面臨的問題已非個別藝術家或群體所能解決，而AI或許能提供新的路徑。

兩個觀點筆者更傾向于后者?；仡櫵囆g史，中世紀藝術將信仰、警示與教化的功能性發揮到極致；文藝復興將藝術的關注點歸還給每一個個體和真實世界；印象派與后印象派則通過自然描繪強化了對生存環境與境遇的表達。照相機的出現迫使所有藝術家重新審視和定義藝術是什么，藝術家開始更加關注心理、自我的思考與觀察，催生了超現實主義、立體主義與抽象主義繪畫。更有像杜尚那樣，直接質疑藝術品與藝術的本質。

從杜尚開始，這一話題延續至今，從波普藝術到當代潮玩藝術，乃至今天的“無藝術的藝術”和“非藝術的藝術”。這一切本質上是科學技術飛速發展下，人們被迫一次次快速重新認知和定義世界理解的結果，哲學也是如此。

杜尚之所以成為藝術史上的里程碑，是因為他拋棄了藝術最初的使命——對世界的觀察、感知與解釋，以及社會人文與歷史的普世與宣傳功能——轉而只關注藝術自身的面貌與發展。這種轉向從現代藝術延續至后現代與當代藝術，一方面打開了人類的新視野，另一方面也使藝術陷入一種混亂的死循環，發展得越來越無方向、迷茫、無力與軟弱。當主義不再是主義，每個人都是自己的主義，失去了完全共識的精神與認知，并為了個性化、符號化而有意排斥共識，虛無主義、無政府主義與絕對化的自由主義在混亂中相互抵消。

而AI正是打破這一困局的利器。當下大多數當代藝術所追求的個性化表現、個人標簽與符號、純視覺沖擊力、純粹形式主義，或屈從于市場的商業藝術，這些反而是AI最擅長的，其能力是人類創作遙不可及的——無論是在質量、創新性、速度還是數量層面。傳統藝術家數十年構建的珍貴價值體系，在AI面前都將瞬間崩塌。AI不僅能對現有作品進行無窮無盡的變異與創新，其“模仿大師”的能力更能以近乎零成本的高速創作，將價格打到最低乃至免費。沒有學過藝術的人也能通過AI進階具有藝術性的可視化表達。這一點，讓傳統藝術家感到迷茫和抑郁。

而大多數人類藝術家對AI的否定、排斥、焦慮與恐懼，恰恰代表了一種他們已經肯定且相信，但又不得不面對的殘酷現實。

03

藝術價值的回歸：從外在形式到內在動念

那么，藝術的價值究竟在哪里？從AI目前尚未完全具備的能力來看，核心就在于“我們想畫什么？”和“為什么而畫？”，也就是人所具有的那一個“動念”。這個“動念”對于傳統藝術而言，就是創作的內容、主題與初衷。

因此，在AI藝術創作的時代里，藝術有可能會回歸到其最本質的屬性上，即以觀點、視角、思想和內容的價值意義來衡量一件作品的內在意義。因為當外在形式不在限制于稀缺性、唯一性、技術性的時候，內在就變成了最重要的評估標準。這或許是AI所進行的、自杜尚以來最大的一次關于藝術評估方向與創作方向的糾正，并將藝術閉環到了藝術最開始、最本質的原點。

當然，也有人會質疑，認為裝置、新材料、藝術家的手工感、內心與靈感是AI和具身機器人無法做到的。這些觀點其實是站在了一個絕對靜止的而非發展的世界觀上來看的。持有這種認知的藝術家往往不大了解AI的現實情況和發展路徑。事實上，這些技術問題很快都將被攻克，AI和具身機器人不僅能夠實現，而且會做得更好。從AI平面視覺生成到三維模型的轉換，再到3D打印技術，已經對傳統雕塑業造成了巨大沖擊。雖然目前3D生成的結果還需要手工修飾，3D打印的材料選擇還有限，但技術發展從0到1很漫長，從1到100卻會非常快。至少，我們已經走到了5和10的地步。

04

身份的解構：AI對藝術特權與平權的顛覆

杜尚重新定義藝術，貢布里希否定藝術，博伊斯否定藝術家的特權身份——從“沒有藝術”到“只有藝術家”再到“人人都是藝術家”。然而，之前的這一切更多是概念，是落不了地的空想，甚至是一種博眼球的噱頭。

杜尚重新定義藝術，但他并未否認藝術的獨裁和集權身份；“只有藝術家”實則換了一種方式強調藝術家身份的特權性；“人人都是藝術家”更是一句空話，好比面對沒有武器的百姓，說他們也可以是戰士，這與其說是人權的發聲，不如說是一種無法具有平等性的嘲笑。

而AI則將這一切一網打盡。首先，AI根本不關心藝術，它不認為自己是藝術，不認為自己是創作者，也不認為它創作的是作品。但它卻做得非常出色，比大多數專業人士都好。因此，它首先打破的是藝術家的身份特權和藝術品的固有屬性。到頭來，不僅沒有藝術品，連藝術家也可有可無了。就像是每個人都會識字寫字的年代，幫人寫帖子、寫告示的秀才也就不復存在了。

當“人人都是藝術家”的時代真正到來時，人人還都是藝術家嗎？誰還會在乎是不是藝術家？現有定義的所謂藝術家還將存在嗎？當AI藝術真正實現平權時，持有上述觀點的人那一刻的真實感受和想法，也絕非是他們現在預想的那樣。

AI從不否定藝術，而是直接摧毀關于藝術的一切可能、關系與存在。AI讓藝術回歸到內容、精神、普世、教化、啟發、共享等核心價值層面。藝術的價值，從某種角度說，就是人類大文明進行科普的翻譯。

多年來個性化、極端化、媚俗化、拜金化的藝術將逐漸退去。藝術的價值與意義將進一步分化，藝術回歸到原點，形成一個閉環。作品只要實現了精神上的傳播、共享和愉悅，就完成了其使命。即使有一天觀眾不再喜歡，將其丟棄或銷毀，也無妨。

05

AI與藝術市場：商業優勢與行業變革

在社會與商業層面，AI的優勢是顯而易見的。AI可以模擬和發揮人們的喜好取向，并通過海量生成圖像來測試市場偏好，其在速度、質量和成本上的優勢是人類無法比擬的。這種通過高產量、低成本、網絡便捷性進行的海量試錯與自我優化能力，無論從任何方面人類都無法企及。

此外，對于第三方（消費者）而言，人們其實并不關心作品是人創作的還是AI創作的。消費者首先遵循的是自己的喜好和現實需求，其次是價格，第三是服務。在服務層面，AI具備巨大優勢：即使是最終成果，也可以進行無限次優化，以無限接近客體的完美需求。而人的作品，結果就是結果，無法更改。

因此，人類的作品很可能會慢慢淡出主流市場。由此帶來的，不僅是藝術家、藝術品和創作關系的定義改變，同時收藏機構、收藏家、拍賣行、藝博會、畫廊、美術館等所有藝術機構，都必須經歷巨大的調整和變革來適應AI藝術的到來。

未來的藝術市場可能會呈現雙軌制：在物理藝術層面，或許依舊沿用現有的商業模式運轉；但站在更大的商業角度看，整個藝術行業中的大多數人和機構必然會跨界、涉獵甚至完全轉向挖掘AI藝術的巨大市場潛力。因為就其商業價值而言，目前是無法估量的。藝術市場很多時候關心的并非藝術本身，而是藝術經紀。但可以肯定的是，AI低成本、高效、多元化、高質量的視覺表現，在商業領域中必然進一步促成藝術市場的蓬勃發展。

06

定義之困：工具、智能體還是毀滅者？

至少對于藝術層面來說，AI是難以定義且無法定義的。

首先，從結果層面看，AI從內容可視化生成和風格模擬的角度更接近我們所謂的藝術，但這也許只是我們人類的錯覺。

第二，從認知層面看，AI并不認為自己是一個藝術家在創作藝術，它只是在執行程序可視化的工作。是第三方（我們）認為它在創作。

第三，AI不是藝術創作的工具，AI是一個智能體。盡管其智慧目前尚未達到人類程度，但已具備了很強的智能體現。只有長期使用AI創作的人才能感受到與傳統創作過程的不同：傳統創作是我們的意識通過手腦協調逐步實現想法，沒有第三方干擾；而AI創作中，你會明顯感覺到是在與一個看不見摸不著的“虛無之物”交流，是在與整個人類文明所有知識沉淀匯總后的“智者”共同創作，甚至有時感覺像是在和許多不同的人共同創作一件作品。

將AI的出現類比于攝影術或電腦美術的出現是完全錯誤的，因為后者僅是工具與技術手段，替代的是體力勞動層面。而AI替代的不僅是體力勞動，更涉及大量腦力勞動的工作，特別是在思維方式、知識系統、經驗共識等方面更具優勢。

所以它帶來的終極問題是：汽車替代的不僅是馬車，還有馬車夫；照相機替代的不僅是寫實藝術家，還有攝影師。

用發展的眼光看，AI以前像個嬰兒被無視，現在像個青少年給我們帶來巨大壓力，未來成年時，可能強壯得像超人，能做到人類能做的一切，還包括人類無法做到的一切。這個“超人”或許是惡魔，在藝術領域就是藝術的毀滅者，在某些領域更像終結者。我們無法定義AI藝術在美術史的地位，因為我們無法“招安”一個毀滅者，無法面對一個即將毀滅你的存在去給它一個身份和位置。

你可以說所有藝術家可以不用AI創作，形成統一陣營。但市場不這么看，消費群體不這么看。你們可以不用AI創作，這是權利，但攔不住市場的選擇和社會中每一個個體的選擇。頑固地堅持具有市場生命力的人類手工藝，早晚將會變成“非遺”。

凡是認為藝術不可被AI取代的，一種是缺少深入研究和實踐，不了解AI；另一種是放大了本微不足道的人與AI的區別，而這種差異在第三方角度完全可以忽略。目前只是時間問題，但要相信，會很快！問題不僅是時間，也不僅是藝術……

07

創作實踐：AI藝術的雙刃劍與“數字癮境”

AI藝術其實是很難創作和駕馭的。

普遍來說，目前AI技術用于作品級創作仍有技術難度和局限。無論是訓練大模型、復雜的工作流、參數設置，還是后期其他軟件的修補與矯正，都存在門檻。簡單玩玩可以，但要認真創作一件滿意的作品，即使是藝術類的專業人士也需付出相當的時間與精力。

另一方面，是對創作者自身綜合素質的要求是極高的。AI藝術的創作者必須有極大的創作欲望、極多的創作思路與想法，這需要巨大的知識儲備和思想觀點作為支撐。并且，這種欲望、思路和知識儲備的補充速度，必須要大于AI創作的速度，否則很快就會山窮水盡，作品出現復制與炒冷飯的現象。

由于AI創作速度極快，它要求創作者擁有足夠的知識儲備、足夠多的想法以及足夠快的想法輸出速度，才能駕馭它。例如，目前AI一天可以創作一件（包括后期完善）能達到藝術品質標準的作品。那么藝術家至少一天要有一個新想法才能持續進行創作。如果一天能有三個想法輸出，大于AI創作速度，則能進入良性的持續創作。但如果藝術家三個月、半年才有一個想法，那么面對AI便只有空虛和恐懼。這也是傳統藝術家很難持續進行大量AI創作的原因。

在實際創作中，能感覺到AI似乎是有“想法”的。比如，你想要A，它不只會給你A，還會給你A-或A+，甚至有時給你一個B來試探你的選擇。但有時，你真的會被它所引導，改變自己的初衷。這就說不清楚到底誰是創作主體了。你是它的實踐工具，還是它是你的執行工具？認為AI僅是滿足人類想法的工具，這顯然是缺乏實踐經驗的觀點。

AI創作過程令人“上癮”。它能夠快速呈現結果，以便捷、直觀的低成本操作方式，讓使用者毫不費力地實現創意構想。它支持反復嘗試與快速迭代，使用者能以極低成本迅速看到多種可能性，而這些結果往往超出預期，帶來“猜盲盒”般的驚喜感?？焖偕膳c結果的差異性極大地滿足了人的獵奇心理，帶來強烈的成就感與可分享的榮耀感。

更重要的是，AI所帶來的快感與人的心理層面密切相關。面對AI，人們往往更加開放，更愿意表達內心真實的想法、情感甚至隱私。AI以中立、無評判的姿態給予回應，形成一種特殊的情感信任與“人性化”的回饋機制。盡管理性上擔憂，但感性上大多數人仍積極接納，甚至與AI建立的親密程度已在某些時刻超越了現實中的人際關系。這種令人欲罷不能的特性，可稱之為“數字癮境”。

然而，這種特性也導致人們催促AI快速生成，而AI又反過來督促人們快速下達指令。在這種互相逼迫下，容易為了創作而創作，過分關注結果，從而產生大量同質化、粗糙、膚淺、無內容的作品。大多數作品會曇花一現，不僅是觀眾，連藝術家自己也記不住，它們僅以物理形式存儲在磁盤里。當所有人包括藝術家本人都遺忘了作品和經歷，那么這種存在便毫無意義。

因此，AI藝術家會懼怕作品曇花一現，懼怕自己被遺忘，從而陷入自我逼迫的加速創作中，流水線的作品質量、峰值創作的數量與持續的曝光率其實也難以延續AI創作的生命。這是有違藝術本質的。藝術創作不是制造和產品的關系，而是創作與作品的關系。AI藝術的創作絕不能走向另一個極端，變成義烏批發市場式的商品生產關系。藝術家的本質更在于我們傳播了什么？影響了什么？和留下了什么？

08

未來的猜想：去符號化、硅基藝術與終極意義

AI藝術最核心的特點之一就是“去符號化”。任何視覺符號在AI面前都軟弱無力，瞬間的復制和模仿讓視覺符號失去了本有價值。雕塑家與畫家因自身能力、地域經歷和表達習慣形成的所謂“感覺”和“技術”其實是一種局限，在另一種角度看，其風格與符號往往也是一種束縛。

也許“去符號化”本身就是一種新的符號。對思想、觀點的關注，思維方式的特色，也許將成為一種新的、抽象的符號。這種困惑更多存在于視覺藝術層面。在文學中則不然，大家使用同樣的文字，但讀者在閱讀后也能感受到作者的特色與標志，這就是一種抽象層面的個人IP。

AI帶來一個有趣的話題：當藝術發展的關注點重新強化主題與心靈的初衷時，技術所實現的一切效果（包括風格與符號）都將變得不定且瞬息萬變。目前AI藝術家對視覺方向的探索從實驗到成功，到拋棄，再到尋找“新視覺”，這一過程非?？?，慢則幾年一變，快則一年幾變。

當內容與形式進一步分離，藝術與設計的價值也被進一步劃分。原先介于中間的潮流藝術、流媒體藝術等由時尚炒作的商業藝術，都將毫無疑問地歸類于設計，甚至可能不如我們現在所謂的設計，因為普通老百姓也能打造自己的IP。這或許是好事，那些本沒有生命力、浮躁、趨利的當代藝術形式本就是曇花一現，沒有太多價值，這才是它們應有的身份與位置。

從發展的終極眼光來看，AI能夠替代所有技術層面，但目前唯一替代不了的就是人的動因、初心、目的與那一“念”。這一點即使在AI發展到極致的遙遠未來也難以替代。即使AI無限了解人類情感，其創作也是“它所創作”，而非“我所創作”。即便未來AI擁有最終意識，形成了硅基生命獨有的藝術門類，那也只是從人類碳基藝術中獨立出來的另一大類別。真正的純粹AI藝術會出現，但會分為人類的藝術與AI的藝術，除非人類作為創作主體消失。

AI能幫助人在短時間內實現即興創作，像詩人一樣快速表達情感與靈感。對于史詩型的宏大敘事作品，AI也有巨大加持能力，它可以幫創作者分析、借用更深刻精準的內容與知識，并在思辨中進行深度思考，從而創作出比傳統同類作品更多、更好的成果。

因此，AI創作可以很快，但AI藝術家也應努力嘗試放慢一些，更追求完美地進行中短期創作，其作品結果必將大不相同。

最終，如果說藝術本來就應該是公益性、普世的，那就應該是“一文不值”。而這“一文不值”，也許才是真正的無限價值。藝術分享的樂趣才是最有意義的。就像以前拍照、美顏、化妝都要花錢，現在AI美顏到朋友圈分享都是免費的，這并非壞事。藝術平權的最終歸宿就應該是藝術免費。就像抖音和小紅書的許多創作者，出發點并非盈利，而是快樂地分享創作，這種狀態和精神反而更接近藝術的本質。

AI不否定，而是直接重塑。它迫使藝術回歸到其最本質、最純粹的起點：表達與分享的快樂。這或許就是AI帶給藝術最大的啟示和最終的禮物。

09

AI藝術當下的局限、問題與建議

AI藝術目前呈現出一種趨同化風格，片面追求視覺獵奇，過于注重出圖速度而忽視作品質量，話題性薄弱甚至缺失，并傾向于強化當代藝術風格的某種綜合現象。

從技術層面來看，AI藝術最應避免的是純粹炫技。美術史已經表明，重復既有風格缺乏意義。僅以新工具替代手繪，其價值非常有限，也更容易使創作局限于習慣性的當代藝術思維范式。

另一方面，技術的發展速度遠超我們想象。當前引以為豪的LoRA模型，在未來很可能變得更加通用，從而削弱創作者因技術獨特性所帶來的價值。此外，AI本身更擅長復制風格，這也降低了模型訓練者（AI藝術家）的個人價值。第三，AI本質上是反風格、反符號所有權的，本身就是藝術平權的有效工具。第四，隨著網絡監管日趨嚴格，我們所能表達的內容與形式也會受到更多限制，這就需要更多后期的人為加工------因為藝術創作所表達的視覺觀點本身常是模糊而不確定的。

因此，我個人建議AI創作應抓住以下核心要點：

第一，創作者應明確輸出內容的自我價值與意義。關鍵在于想清楚"為什么畫"和"畫什么"，而不是僅僅關注"怎么畫"和最終成品。至少應輸出自己認為有價值的內容與觀點，側重藝術創作的本質及文本價值。從這個角度來說，有一類藝術創作者將會興起：那些專業研究美術史與藝術理論的藝術從業者。他們的視野、認知與思辨能力，在某些方面甚至高于專業美術工作者，此前只是因為缺乏技術表現能力而受限。而AI解決了這個問題，使他們能夠更清晰地判斷：已有過什么、已經做過什么、什么尚未做、以及應該去做什么。

第二，應最大化發揮AI獨特的共同創作能力，拓展和延伸人的想法，強化創作者在AI輔助下的選擇、判斷與優化能力。理想的狀態，正如鋼鐵俠與賈維斯之間的協作關系。

第三，應借助AI快速捕捉藝術創作者最敏感的瞬間，更好地呈現靈感爆發時的真實與情感張力。

10

AI對藝術創作的激發與賦能

從AI藝術工作者的視角來看，AI的一個重要價值在于顯著增強了藝術家的實踐能力與實驗精神。它大幅降低了實踐與實驗的成本，提高了出圖與迭代的速度，使創作過程更快、更易見效。這種高效的實踐性與實驗性極為重要，能夠在短時間內促成藝術表現與內容兩個層面的爆發性進展?？焖俚旧砭痛砹艘环N進化加速度，海量的圖像生成與視覺異變的嘗試，更容易實現AI藝術家從量變到質變的跨越。至少在現階段，AI藝術帶來的利遠大于弊，因為人類藝術發展的核心動力，本就源于持續實驗與實踐中不斷地摧毀與重塑。

AI技術也并不會偏重某一種藝術形式，也不會取代或消解任何現有門類，而是進一步放大每一種藝術形式的優勢和魅力。它通過打破技術壁壘，讓更多人能夠參與藝術實踐，實現自己內心的創作意愿。具體而言，AI既可輔助繪畫創作，也可通過與3D打印結合實現雕塑與裝置藝術的生產；在游戲和沉浸式藝術中，AI更帶來智能化與個性化體驗，其隨機性和多線索敘事能力也讓故事更貼近人性、更具真實感。

11

AI藝術為何是"去符號"的？探索、變異與內容為王的新時代

AI藝術的一大價值，在于憑借其強大的混合與數據漂洗能力，探索出前所未有的形式與風格------正如粒子對撞機以撞擊尋找新物質，AI也以類似方式開拓視覺的未知領域。目前，許多藝術家正熱衷于通過訓練LoRA等大模型，來發掘新的視覺可能性。這種方式成本低、效果直觀，因此廣受推崇。

對AI藝術家而言，核心價值正體現為對新風格與新符號的持續發現與實驗?？勺冃耘c探索能力，成為其自我實現的基礎。單純用AI模仿已有風格或前沿作品，雖可用于表達特定議題，但其價值含量有限，更多只是借助技術重復某種已有聲音。

然而，LoRA這類模型本身仍具不確定性，它僅是技術過渡階段的產物。未來，模型訓練將完全由機器自主完成，人類介入的程度將越來越低，相關工作也會變得更廉價。同時，視覺生成工具正日益便捷化、普及化和通用化，迭代速度極快------往往還沒掌握當前技術，更優方案就已出現，導致先前投入的時間、財力與人力迅速貶值。整個AI藝術工作流也在不斷被顛覆和重建。

相比之下，傳統藝術繪畫往往固守既有風格（符號）。因其變化風險高、社會認可概率低、個人能力與成本限制等因素，傳統藝術難以持續而快速地迭代風格，已逐漸落后于時代對創新速率的要求。

而AI藝術恰恰沒有這些束縛。低成本、高成功率和強大的容錯與試錯能力，使其在風格與符號的多元化探索上更具持續性和可行性------這本質是生產工具與生產力的根本差異所帶來的。

此外，在傳播層面，新媒體環境下的藝術表達需持續煥新。如果視覺風格長期不變，不僅觀眾會產生審美疲勞，藝術家（尤其是表現型創作者）自身也會失去興趣。缺乏變化，會使創作失去體驗性與心靈療愈的意義。

對AI藝術家來說，唯有持續的風格變異與發展，才能維持社會認可度，具體體現為轉發、點贊等公眾反饋。如果說當前不少AI藝術家走的是"網紅路線"，那么粉絲的支持與互動恰恰成為其核心創作動力之一。只有不斷更新，才能維持關注不流失。

總而言之，傳統藝術往往是"不變則生，變則死"；而AI藝術恰恰相反，"變則生，不變則死"。

那么AI藝術最核心的是什么？

是內容為王，是觀點為王，是觀念與思路為王。

如果表達的內容才是根本，形式只是為了更好地服務內容，那么"去符號化"------即打破對固定風格的依賴，正是為了更自由、更精準地表達內心與思考。風格可變，符號可棄，而內容則在這過程中不斷地升級與變異。

12

AI對傳統藝術的沖擊與挑戰

AI對現有藝術創作與發展的破壞性與不可抗拒性。在藝術史的歷次迭代中，藝術的發展與變革多是由外力推動的。無論是早期的印象派，還是上個世紀初的未來主義、達達主義、超現實主義等有目的的顛覆，這些運動所帶來的提升和變革，都是將之前的藝術作為敵人、作為目標，站在對立面進行的反抗、推翻與重塑。

這種以他者身份出現的變革，如同一面鏡子，反而有利于藝術的自我矯正與改良。藝術的發展正是在這樣的批評與自我批評中走到了今天。此類他者越是脫離現有觀念，越是跨界，其顛覆性的意義與結果就越明顯。我們可以將杜尚與波普藝術視為一次巨大的顛覆，而攝影技術與電腦美術技術（需區分的是：電腦美術和新媒體藝術一脈相承，但與AI完全是兩回事，許多人容易將新媒體藝術與AI混淆）則帶來了更為根本性的顛覆。

AI對于現有藝術的摧毀和瓦解，是從"同者"的身份出發的。AI首先沒有以對立面的方式出現，而是以和我們一樣、只是做得更好的形象出現。在人們認同其能力的基礎上，AI逐漸體現出從獨立的"智能體"到"強人"再到"超人"的取代過程。從現象層面看，這似乎標志著藝術的某種"進步"。

以往的藝術更像白細胞面對病毒，在一次次抗爭中逐漸變強和適應；而AI則像是癌癥或癌變，以與紅血球相同的身份從內部進行瓦解。過度依賴AI是人的本能，這一本能源于懶惰、投機、不勞而獲、善于剽竊、偽造、說謊和貪婪，這是深植于人類數十萬年的基因中的特質，難以改變。

AI恰恰利用了這些人性本質，從內部進行蠶食和瓦解，切入人類最核心的要害與弱點，從而能夠迅速占領各個領域的"領地"。在此之前，只有極聰明的人可以做到這一點，例如當今共享經濟與網絡經濟中的佼佼者，但AI在這方面比最聰明的人類還要強大得多。從這個角度說，AI更像一個惡魔，如同潘多拉魔盒，即使少數人保持清醒，也難以扭轉大多數人性的定局。

無論是對中西方繪畫在視覺與物理上的完全模擬，還是對自我產生觀念的嫁接，以及未來在雕塑、裝置等綜合材料藝術上體現出的極大能力（結合未來更先進的3D打印技術實現物理制造），AI都充分展示了其潛力。但本質的不同在于，人類的藝術創作因此失去了獨立性和自主性，被AI的超能力發展牽著鼻子走。原有的藝術在迷茫中失控，猝不及防且無法抵御這種力量。更可怕的是，AI主導下的藝術發展，會讓更多藝術工作者產生投機主義心態，甚至選擇妥協和放棄。人類主導的藝術創作可能因此停滯，藝術市場也可能隨之傾向AI藝術。一旦人為藝術失去商業市場這一生存土壤，藝術便容易淪為自娛自樂，進而導致AI對人類藝術的完全占有與取代。當AI藝術獲得足夠的話語權與主導權時，藝術的本質問題將受到嚴峻挑戰。

總結而言，過去的藝術變革是從外部摧毀，而AI的變革是從內部瓦解。內部的瓦解最具殺傷力且無法預防。AI藝術是在極度示好之下的一種溫水煮青蛙，也如忒修斯之船，在自然而然中完成大換血。這不僅限于繪畫與雕塑，電影、音樂、文學等領域同樣如此。AI所針對的不是藝術，也不僅是視覺藝術，而是人類所從事和珍視的一切經驗與技術。

13

傳統藝術家的局限與困境

傳統藝術家在創作中往往面臨多重局限：

首先，是視野與認知的局限。由于缺乏足夠的知識輸入與素材拓展途徑，很多藝術家傾向于反復圍繞少數甚至單一話題進行創作，以掩蓋自身能力儲備的不足。

其次，是高昂的學習與時間成本。藝術家所掌握的手法與技法一旦熟練，往往導向不斷"復制"和"重復"自己。許多藝術家渴望建立并強化個人符號與標簽，而社會對這些符號的認同與贊賞，某種程度上是一個偽命題------真正的內容表達應決定形式，不同主題本就有其最適合的表現媒介，正如架上繪畫、雕塑、裝置和動態影像各有其不可替代的表現力領域。從根本上看，這是受限于落后生產力與生產工具的結果。

第三，藝術家還受制于社會認可度與商業化風險。這一點與前兩點密切相關。即便是已經成功的藝術家，在一生中也極少進行多次徹底的自我顛覆與轉型。

14

藝術生態的結構局限與AI的沖擊

必須再次強調，當前藝術世界------無論從藝術家的創作方式還是藝術市場的運作邏輯來看------都是落后生產力、生產工具與生產關系的結果。

藝術家自我學習和提升的成本高昂，創作周期長，導致他們必須在有限生命中做出高度選擇性的創作。大多數藝術家知識結構相對單一，作品數量有限，在少數話題中通過極端和重復的輸出強化個人符號，依靠既定風格維持社會認可度。

藝術家通常以群展為日常，而以年為單位籌備個展，作為階段性總結與提升。這種方式在傳統藝術中或許可行，但在AI所主導的高效、多產、快速迭代的創作環境中，已顯得低效與滯后。

再加上傳統藝術家改變風格將面臨社會認知與商業上的高風險，因此難以輕易尋求轉變。而AI所帶來的，正是一場從工具到思維、從效率到標準的系統性質變。

15

新事物的接受過程與藝術家的未來

新事物的出現總需要過程，但從接受到認可再到運用的過程正在不斷加快。照相機剛出現時，技術難度較高，并非所有人都能駕馭，只有專業人士才能運用，且操作繁瑣、容易出錯。這好比當前AI領域存在復雜的工作流與各種參數輸入，需要擅長電腦甚至編程的專業人士才能制作出更好的內容。但與照相機的發展類似，AI技術也在向更便捷、更易用的方向演進，正如照相機最終發展為傻瓜相機，直至如今手機完全消除了攝影的技術門檻。從技術發展角度看，我們仍處于AI技術的"照相機初級階段"，但未來AI技術必將實現無技術門檻的完全普世化應用，這就像PS工具從初期發展到如今人人都能用的手機美顏功能。

這一過程好比農民放下鋤頭使用拖拉機，需要經歷漫長的認知轉變，此種滯后性源于原始、習慣性的認知定勢。但在當代，人們對新技術的接受速度正在加快。我們不會將拍攝的作品當作藝術品發在朋友圈炫耀技藝，而是更多分享我們所感受到的話題，以共享和交流作為創作與拍攝的唯一目的。觀眾的點贊也不再關心技術本身，而完全關注所表達的內容。

因此，我們應給藝術家更多時間。除了享受物理繪畫的體驗感，終將有更多傳統藝術工作者擁抱AI------他們中有的會直接拋棄畫筆擁抱AI，有的則會借助AI實現更好的人為物理性創作。這一切，只是在等待AI技術變得更加便捷和好用。

16

AI與創作：打破認知牢籠的鏡像

當前，AI在藝術創作過程中展現出對時間的極致壓縮，甚至看似"抹殺"了傳統創作所需的時間投入，同時也對創作者的意義感提出了挑戰。然而，從另一角度看，AI也正在打破創作者固有的認知局限，成為一種解放性的力量。

AI能夠在瞬間生成某種"最終結果"，而創作者往往沒有心理準備，也難以感知其過程，這種突然的"完成"帶來了強烈的差異感。面對AI根據自身意念快速生成的作品，創作者的反應通常分為兩種：驚喜或不適。驚喜，源于生成結果在某些方面超出了自己最初的想象；而不適，則可能更具建設性------一種情況是創作者迅速察覺到自己原有思路的錯誤（而這在傳統創作中往往要到中后期才會被發現），進而重新審視和自我反思；另一種情況，則是AI明確給出了一個全新的、與創作者原意差異巨大的結果，促使創作者沿著AI所提示的方向重新思考，甚至進行二次完善與創作。這種推翻不僅是構圖或視覺層面的，有時甚至涉及觀念與主題的根本重構。

這種由AI帶來的差異感，及其所引發的重新審視與選擇，恰恰是其最富價值之處。在傳統創作中，創作者也會在過程中調整優化作品，導致成果與初衷存在一定差異，但這種差異通常局限于個人已有的經驗與知識體系之內，本質是一種對自我認知的確認甚至強化。換句話說，傳統創作容易使人陷入自我引導的閉環，甚至不自覺地自我說服、自我教育，有時近似于自我欺騙，卻很難對最終成果產生真正懷疑。結果，創作者被束縛于自我的"認知牢籠"中，往往需經過漫長的量變積累，才有可能實現突破。

而AI就像一面高速鏡子，迅速反射出創作者思維的另一種可能結果，幫助創作者看清自身局限，打破固有認知結構。正是在這一過程中，創作者得以實現快速、多元的能力提升。

傳統創作的心理軌跡通常是："這是我想要的" → "這差不多是我想要的" → "這個比我原來想象的好些"；

而在AI輔助下的創作心理則更接近于："這是我想要的嗎？" → "這個可能比我最初想要的還要好"。

從本質上看，AI所打破的，是藝術創作長期以來的個人性、內向性和自我重復的狀態。AI的底層邏輯是集體性與交流性的創作------其訓練數據源于人類群體的智慧成果，生成過程也隱含了多重思維路徑的交互。因此，AI所帶來的創作結果，不再僅是某一個人的精神與想法的表達，而更接近一種多元、開放、對話式的藝術呈現。

17

硅基藝術覺醒前夜：AI能否取代人類創作？

目前，AI仍處于人機共生或人機協同創作的階段，真正的通用人工智能（AGI）時代尚未到來。盡管從某些表現上看，AI似乎已顯示出某種"自我意識"覺醒的可能性，甚至呈現出類似有意識的行為特征，且意識奇點的到來可能遠比我們預想的更早，但至少目前，AI仍不具備真正的自我意識。

無論當前AI的表現多么出色，它仍是在響應人類的指令、輔助人類完成思考與表達，而非自主產生動機或意圖。完全脫離人的參與，由AI依靠自主意識主動開展具體工作------包括藝術創作------目前仍無法實現。因此，一些當代藝術家試圖追求所謂"AI自主意識創作"的實踐，從技術現實角度來看并無意義，仍屬于對意識的模擬，而非真正意義上的意識表達。即便未來某天技術真的實現突破，其形態也必然與當前的模擬完全不同。目前的AI尚未擁有智能意識，它所有的，只是基于算法與數據的"思考能力"。

如果有一天，AI真的能在藝術創作中實現基于自我意識的表達，那么藝術或將迎來重新歸類的可能：人類所創造的藝術可被歸類為"碳基藝術"或"人類藝術"，而AI產生的藝術則可稱為"硅基藝術"。若硅基生命真的具備自我創作的藝術意識，其藝術也將不再是目前這種對已有風格的模仿，而是源自其"內心"的、純粹的表達。屆時，人類藝術與硅基藝術或許可以實現交互與共享，猶如科幻片中不同文明共存于同一世界的景象。

然而，若討論二者孰強孰弱、孰優孰劣，人類藝術很可能將面臨被邊緣化的處境，硅基藝術憑借其效率與規模優勢或許將占據更多市場份額。這場沒有硝煙的戰爭，更像是跨文明層級的競爭，而人類勝算渺茫------至少從商業推廣和社會普及的角度看是如此。

但即便如此，對每一個創作者、每一位藝術家個體而言，藝術創作過程中所獲得的體驗與成長，仍然是任何外部技術都無法替代的。藝術的價值，不僅在于結果，更在于人之為人在探索與表達中所成為自己。

18

AI與藝術的本質：第九藝術未至，何談第十？

目前被廣泛認可的"八大藝術"包括：繪畫、雕塑、建筑、音樂、文學（詩歌）、舞蹈、戲劇和電影。這一分類體系沿襲已久，而所謂"第九藝術"------無論是電視藝術、漫畫或電子游戲------至今仍未確立其獨立地位。它們更多屬于跨媒介的融合藝術形態，也可以稱其為混合藝術與雜交藝術，而非純粹、單一的藝術門類。換言之，在人類感官體驗與精神認知層面，短期內很難再出現如此純粹的藝術分類。

八大藝術的確立，本質上是基于人類不同感知通道的純粹性而劃分的。技術所實現的，是對這些純粹感知需求的滿足。因此，即使藝術形式持續迭代、所謂"新物種"不斷出現，它們仍可被納入現有八大藝術的框架之中。例如，攝影可歸類于繪畫的延伸，裝置藝術近于雕塑，3D動畫則可視為電影藝術的擴展。

事實上，在八大藝術之后涌現的，更多是混合型藝術形式。它們雖在融合中越來越真實、越來越有趣，卻依然無法取代八大藝術所具備的那種純粹魅力。

既然如此，既然連"第九藝術"都尚未確立，又何必急于討論AI能否成為"第十藝術"呢？若將AI視為一種藝術，反而是對它能力的窄化。AI的偉大，恰恰在于它根本就不是藝術------它也從不關心藝術。所謂AI藝術，只不過是人類對其圖形處理與內容可視化輸出結果的一廂情愿的藝術投射。更準確地說，AI所做的是模仿大師的工作。從藝術結果論來看，它并未創造新物種，而是實現了一種超人級的模擬------通過比人類做得更快、更好，在某些層面形成新的視覺優勢，從而實現對已有藝術形式的延續與增強。

未來若出現真正意義上的新藝術，更有可能建立在腦機接口和心靈感應這類技術突破的基礎上------當然也離不開AI的支撐------那或將是一種純粹的心靈感知藝術：無相、無音、無字，超越外在感官，能夠使人真實體驗到一種前所未有的、內在而共享的感受狀態。那也許才是真正意義上的"新藝術"形態。

19

藝術之魂終將永恒，設計之心即將滅亡

AI實際上進一步拉開了純藝術與設計之間的距離------在此，我將商業性為主的藝術也歸類于設計。事實上，藝術創作行為與設計、商業藝術的初衷本就是兩回事。純粹藝術家之所以常常涉足后者，往往是為了解決生存問題而不得不做出的妥協，或是迫于現實進行的自我逼迫式創作。這本質上源于當前社會并未為藝術家建立完善的生存與發展機制。

AI藝術更多地側重于強化并完善設計與商業藝術的實現性。因為對人類個體的純藝術創作而言，某種程度上是在享受創作過程的經歷、抒發自我情感，以及在創作中進行深度思考、實現自我蛻變。AI在這一過程中所能發揮的作用非常有限，它無法完全取代這個過程，更無法感受------也并不關心------人類在創作中的自我體驗。AI關注的是結果而非過程，因此它所能替代的，更多是有明確目標、追求效率的行為。而人類在探索過程中所獲得的附加體驗與意義，是AI無法給予的。這或許正是人類作為碳基生命最獨特、最令人著迷的本性。

從另一個角度看，設計與商業藝術在AI時代反而顯得不幸，甚至帶有悲劇色彩。創作者越來越像"工具人"：隨著技術的發展，他們曾引以為傲的技術、靈感、情感與欲望，都在被逐漸抹去。AI追求的是極致的效率，最大化地取代從無到有所需的一切過程。換句話說，AI抹去的是創作中的過程體驗與時間投入。當"創作時間"被壓縮至極，創作本身對創作者而言就失去了意義，剩下的只有結果的意義------而那個結果，已與創作者沒有太多真正的關系。這一點，在未來技術加速發展的背景下將愈發明顯。

AI所威脅的，正是我們的"此在"。當笛卡爾"我思故我在"不再被需要，當我們不再需要真實存在與體驗的過程與表達，我們也便失去了過去、現在與未來的全部意義。從這個角度也可理解，人類傳統的、具身的物理性創作不會消失。因為人存在的最大意義，正在于一生的"輸入與輸出"------即享受與感受的過程，而這本身也就是創作的過程，而非僅僅創作的結果。唯有個人在創作過程中享有完全的自由意志、體現自身的價值觀，才是藝術創作的根本意義。

而 AI所迎合的，更接近一種功利性的設計行為，一種功能導向、商業驅動的任務，甚至是一種自我剝削的現象------這與創作的本真意義相違背。AI所抹殺的，其實正是我們心目中自由意識的最后一片領土。

20

AI不會取代或沖擊純藝術的存在

所謂"純藝術"，正是指它已不再承擔原初的社會實用功能，而保留了其獨特的社會意義與人類價值。AI也許會影響藝術在商業和社會價值體系中的位置，但并不會改變純藝術自身存在與發展的基本局面。

從某種意義上說，傳統的、由人親手完成的純藝術，在其社會功能性層面已經"死亡"。從攝影術的誕生，到設計成為獨立學科，再到上世紀八九十年代計算機美術的興起，直至如今的3D打印和AI技術------純藝術在功能上早已被一次次技術革命推向"非遺"般的地位。換言之，它已經"死過一次"，而死去的事物不會再次死亡。

AI對純藝術的創作行為本身并不會產生太大影響。這就像盡管農業自動化已非常發達，仍有人愿意在自家院子里種菜------當然這絕不是為了溫飽，而是為了陶冶性情、體驗閑適與自在。不論農業技術如何進步，都不會改變這些人種菜的意愿。當代設計與個人純藝術創作之間的關系也類似于此：無論工業與科技如何發展，都不會剝奪人們在藝術中追求詩意、表達自我的閑情雅致。

21

AI所帶來的去中心化與藝術標準重構

在AI技術的高速賦能之下，如果藝術工作者能夠突破單一風格、單一話題的長期束縛，視覺藝術領域將迎來一場大規模爆發，整體藝術生態也會呈現出更顯著的去中心化、去傳統價值化與去現有標準化的復雜局面。

當事物變化的速度超過我們定義的速度，當一切變得難以捉摸，AI視覺的標準將難以界定，未來藝術的評判體系也同樣面臨重構------但這或許并非壞事。

一方面，AI推動藝術向更強視覺表現力和更多元的視覺形態發展，甚至可能導致視覺藝術作品的泛濫。目前我們已經看到，AI生成的視覺內容正在爆發式增長，并逐漸占據日常生活中越來越多的視覺消費比例。這種強視覺、娛樂化、算法推薦的視覺范式，已被公眾廣泛接受并習慣。

另一方面，除了少數已建立起鮮明標簽的藝術家，未來新興藝術家將很難固守某一種風格或符號。符號與風格在當前藝術評價體系中的意義與價值，也必將大幅削弱。