扎哈·哈迪德與標志

“建筑不再是凝固的幾何，而是有生命地流動?！?

圖1 曲線女王扎哈·哈迪德

作為獲普利茲克建筑獎的首位女建筑師，扎哈·哈迪德被譽為“曲線女王”，如圖1所示，她設計的眾多建筑，如倫敦奧運會水上中心、布羅德藝術博物館、羅馬MAXXI博物館和廣州大劇院，北京大興機場等等，不僅賦予了城市新的符號，更代表著建筑與產品、藝術、城市學、算法設計的交叉革命。作為一名設計師，她的偉大在于為設計界拓展了想象邊界與實踐工具，為我們創造了一種新范式——從連續流動的生成視角觀看世界，用算法遞歸的邏輯創造形態，最后獲得一種極致的、充滿未來感的設計。

一、從紙上爆炸到數字解構

1950年，扎哈·哈迪德出生于伊拉克巴格達，在一個富裕、開明的家庭中成長。當時的巴格達正經歷現代化浪潮，充斥著嶄新的混凝土建筑和樂觀的未來主義精神，加上伊斯蘭強烈而自由的書法元素，孕育了她對現代性，對失重和流動的探索。

圖2 馬列維奇解構主義繪畫

在美國攻讀完數學，她進入了當時全球最前衛、最實驗的建筑學院——倫敦建筑聯盟學院。師從荷蘭解構主義領袖雷姆·庫哈斯，深受蘇聯先鋒派藝術卡濟米爾·馬列維奇的至上主義繪畫影響，如圖2所示。扎哈的創作是對重力與穩定性的視覺解構對當時設計界產生了巨大沖擊，挑戰了以包豪斯為主的現代主義“形式追隨功能”，挑戰了長期徘徊于后現代極簡與空間可用性的設計探討。扎哈從不把內部空間視為被結構包裹的被動體，而是一個由力量流動生成的有機體。她將蘇聯至上主義的抽象幾何與解構主義的反叛哲學融為一體，創造出前所未有的視覺語言。在這個語言中，建筑不是受到重力約束的笛卡爾坐標方塊，而是由向心與離心兩種張力共同構成的能量場。建筑構件不必是穩定、靜止與沉重的，而是被賦予巨大動能，在畫面中撕裂、懸浮、碰撞，呈現出一種爆炸性瞬間被凝固的狀態。

圖3 LV Icon手袋

如圖3所示，在職業生涯的早期，扎哈的成就并非矗立于大地，而是爆炸于紙面。她用手、眼與無限想象力解構建筑與重力、場地、功能的傳統關系。她的草圖如同炸裂的城市風景——透視崩解、地平線扭曲、幾何漂浮，如香港頂峰俱樂部（1983） 和特拉法加廣場的維菊餐廳（1990），被視作不可建造的烏托邦，但其真正的價值在向世界宣告“我來了！”

扎哈的橫空出世，徹底解放了形態的可能性，為設計師帶來了一個純粹由觀念驅動、不受技術約束的創意大爆炸。產品不再是功能的被動容器，而是承載動態與力量的雕塑。從她為Sawaya & Moroni設計的Aqua Table，到為LV設計的Icon手袋，物件仿佛在運動中突然被凍結，靜態的設計下孕育了驚人的速度感與敘事性。

二．從流體幾何與未來參數化

進入21世紀后，扎哈轉向了連續的、有機的、流動的曲線設計探索，標志著她從一位“紙上建筑師”正式邁向了實踐大師的道路。她提出了“流體幾何”理論，主張建筑應該是像自然界的水流與風場那樣“沒有開始也沒有結束”的流動，表現為連續一體化空間；并提出建筑形態應該是像被一股強大的能量“沖刷”或“塑造”而成，呈現出一種向外延展和爆發的態勢，充滿了張力和生命力。

圖4 辛辛那提當代藝術中心（2004）設計

在辛辛那提當代藝術中心（2004）設計中，如圖4所示，她將建筑的地面層視為一張連續的“地毯”，從城市人行道延伸進入室內，并蜿蜒向上形成垂直交通。她用連續曲面消解了屋頂與墻面的邊界，表達了水平和垂直的流動性，打破了博物館封閉和孤立的形象，實現了城市空間與藝術展示空間的滲透和融合。在扎哈與Adidas、United Nude、Bulgari等品牌合作的作品中，無一不體現出連續形態與材料結構的邏輯重構，讓形態由內部張力決定，而非外部裝飾。

圖5 Swarovski水晶燈（2008）

如圖5所示，為Swarovski設計的水晶燈（2008），將光重新定義為“強力引導空間”的物體。用86根電纜，從地面以45度角拉伸到天花板，2700顆內部照明的水晶形成流動漩渦，在淡藍色的光輝中書寫出一種空靈感。

自工業革命以來，設計一直是人類理性調控物質世界的手段，包括規則、比例、控制等標準化的秩序。而在扎哈的世界里，沒有固有的秩序，沒有固定的角度與直線，只有“流動”。她用流體幾何、連續曲面與參數化算法打破靜態方盒子，而流動給形態注入了時間。設計不再只是靜態固化的外觀，而一種“隨狀態變化”的體驗。更具革命性的是，扎哈與帕特里克·舒馬赫（Patrik Schumacher）共同提出了“參數化主義（Parametricism）”，將設計從手工雕刻時代的形態范式推進到了算法生成時代的系統范式。在新的范式中，建筑或產品的形態，不是被畫出來的，而是被計算出來的，所以設計師的職責是定義變量、關系和規則，而非具體形狀。

圖6上LISSE水晶燈，圖6下 H-line帽子

它使得設計、工程與制造得以在統一的數字邏輯下無縫銜接，如圖6所示，在燈具、家具乃至時尚單品領域，涌現出大量“數字有機主義”作品，將設計從表面形態的推敲，引向了對其內在生成邏輯的深度探索。

三． 當未來建筑師遇見理性制造者

標致（Peugeot）的設計，從十九世紀的鋼鐵工具、咖啡研磨機，到二十世紀的自行車與汽車，無論是馬蒂亞斯·霍桑（Matthias Hossann）所塑造的當代鋒面線條，還是吉爾·維達爾（Gilles Vidal）提倡的幾何肌理，標志始終表現出法國特有的工業優雅：一種強調清晰結構和理性比例的文化修辭（詳見第十一期）。當這樣一位理性制造者遇見未來建筑師時，一場關于未來造型哲學的對話開始了。在這場思想的交匯中，傳統工業產品被流動生成賦予時間性，即“動態秩序”，理性結構的流動化，流體形態的秩序化。

圖7上 連續單殼體車架，圖7下 參數化流體形態

一款假想的跨界概念車“Peugeot Hadid Dynamic Concept”成為載體。在結構上，扎哈采用連續單殼體（Monocoque Flow Structure），會生成一件表面光潔流動、局部呈現骨骼化肋帶和植物式分支承載結構，如圖7所示，內藏流場的風道，線束溝槽布置與拓撲式能量吸收單元；碳纖維與可變厚度鋁合金復合材料組成動態剛性帶，滿足結構剛度與柔性制造需求。它既是一座在風中生長的外殼，也是可被工程化量產的汽車骨架，技術與形體在此不再分離，而形成一個邏輯的雕塑整體。

圖8 Peugeot Hadid Dynamic Concept

外形采用參數化流體算法生成，如圖8 所示，標志性的獅標不再鑲嵌，而是作為氣流分離點，表達能量節點。整車以氣流流線的匯聚和擴散定義形態，同時保留標志家族前長鼻后短尾的動態理性比例。氣流在車體側面雕刻出了多條動感立體形態，給人風蝕大地的時間感，同時在光下不呈傳統反射，而呈折射式運動，光在表皮上滑行，像在液體中傳播——每一次光影變化都揭示了空氣與材料之間的隱形秩序。

圖9 扎哈的“獅爪燈”

前臉設計中，扎哈將標志性的三道獅爪燈與氣流通道相結合，燈的內部增加參數化的動感細節，如圖9所示，就像她為 Slamp 設計的Aria & Avia 水晶吊燈。

圖10 扎哈的參數化i-cockpit

圖10一體成型座椅及內飾局部細節

如圖10所示，扎哈追求的內飾空間是作為體驗的連續體，而非被功能切割的區域。儀表、控制臺、門板、座椅與車頂融為一體，形成連續的空間流線。駕駛者不再面對一個儀表面板，而是置身于一個參數化空間，每一塊面板都根據駕駛者的坐姿、光線角度與空氣流動，自動調整微微的曲率與光澤。在頂棚和側面，扎哈特意將玻璃器皿中的波浪參數挪過來，當陽光穿過，在內飾落下搖曳的身影，實現了光影與結構共存。扎哈的內飾光線不再被局限于功能照明，而成為結構生成的語言。儀表臺下方的光線會隨加速度而變化，從柔和的藍調逐漸過渡到動能感的金屬白。她稱這是一種“可視化的呼吸（Visible Respiration）”：讓科技成為感知的一部分，而不是工具的外衣。如圖11所示，座椅由連續的支撐骨架與柔性表皮一體成型，信息顯示與交互界面隱藏于材料層下，當手指滑過表面時，界面才如光波般顯現。在扎哈的動態秩序中，舒適性不再意味著固定姿態，而是一種感知延伸與環境共振的狀態。

傳統的汽車設計是相對靜態的：它源自設計師的意志，被審視、被生產、被消費、被遺忘。但扎哈的思想為這個循環注入了新的變量。她提出——設計應如生物一般，通過不斷生長與適應，賦予世界以秩序。扎哈用她的液態幾何、數字參數化與建筑哲學，重新定義標致這一法國理性品牌的審美邊界。既繼承了標致的優雅，理性，比例、感性幾何，又賦予了連續、生成、光流，動態秩序。

在與AI深度共振時代，設計如何從“固定之美”走向“生成之美”，扎哈的未來參數化給我們提供了一種新的可能方向：在算法化與感知化的時代，AI不是工具，而是“第二設計者”。設計師的角色從“造型者”變為“系統編程者”，人類的理性提供結構與目標，AI的算法提供變異與演化。兩者共同形成一種新的“動態秩序系統”。未來的汽車不再被畫出，而是由風、光、電等元素，在人為制定的規則中，用算法生長出來。