董煜婷：“史詩”性的自我書寫—評“我們”戲劇社的《永懷之歌》

2019年夏，青海師范大學“我們”戲劇社再度把《永懷之歌》搬上學校大劇院。與2018年“試水版”不同，這一版被師生們私下稱為“畢業制作”——演員基本由2015級、2016級非表演專業學生擔綱；舞美、燈光、現場音樂則全部啟用美術學院與音樂學院低年級同學；劇本也在首演后進行了“結構性回爐”。當“校園戲劇”與“校本德育”成為高校文化的高頻詞，青海師大選擇了一條最笨拙也最動人的路徑：由學生自己把校史地緣優勢寫進戲劇，讓一門“第二課堂”的選修作品，承擔起向共和國科學巨匠郭永懷致敬、向“兩彈一星”精神致禮的宏大敘事。

一、劇情結構：四幕遞進中的“精神成長曲線”

全劇沿用2018年首演確立的四幕詩化標題——《絕徼移栽楨干質》《赤子歸時抵百師》《英雄仗劍入昆侖》《留取丹心照汗青》。四幕分別對應郭永懷西南聯大求學、庚款留美、歸國奔赴青海221廠、空難殉國四個生命節點。編創者把“科學報國”的宏大命題拆分為“知識—選擇—行動—犧牲”的遞進節奏，形成一條清晰的“精神成長曲線”。

1、 第一幕：知識分子的“自我啟蒙”《絕徼移栽楨干質》

這一幕寫郭永懷的“求學三段式”：聯大—庚款—康奈爾。導演用“煤油燈”做時間指針：聯大夜讀時燈芯最長，康奈爾實驗室燈罩最亮，到了“歸國前夜”，燈芯被掐斷，只剩一縷青煙。最具儀式感的“焚稿”被拆成兩次：第一次是康奈爾壁爐，燒掉的是未發表的NACA技術報告，火焰呈暖橙色；第二次是歸國客輪甲板，燒掉的是手寫講義，火焰被海風吹得東倒西歪，灰屑落在女兒郭芹（童年）的辮梢。演員李佩（王嘉敏飾）一句臺詞被觀眾自發做成表情包：“這團火，把太平洋燒出一個洞。” 開場炮火與《西南聯大校歌》的獨白交叉出現，迅速把主人公拋進“國破山河在”的危機語境。編劇在此幕中大量使用“群誦＋剪影”手法：學生群像面對舞臺深處的巨幅殘陽布景，高聲朗讀《離騷》與《少年中國說》，在文本層面完成“舊學—新知”的嫁接。值得注意的是，郭永懷的出場被刻意延遲——燈光先給出他低頭演算的長影，再切至正面。這種“影像先行”的調度，暗示科學家理性人格對熱血年代的冷靜注腳。

2、 第二幕：去國與歸國的鏡像《赤子歸時抵百師》

整幕由三封真實家書拼貼而成，寫于1956—1963年。導演讓“鞋”成為復調意象：第一封信里，郭永懷承諾給閨女買“一雙紅色小皮鞋”；第二封信里，鞋碼從“26”改成“30”，因為“芹兒又長個兒了”；第三封信里，鞋變成了“如果可能，爸爸回去給你親手做”。當觀眾以為“鞋”只是親情符號時，舞臺后區突然亮起一只巨型鐵鞋——用221廠廢舊鉛塊焊成，鞋尖朝向觀眾，像一枚倒置的彈頭。家國與父愛，在此被“鞋”強行焊接：父親邁不過去的，是核試驗的倒計時；女兒等不到的，是父親遲到的歸期留美段落最易落入“苦學—成名—歸國”的俗套，編劇卻用“雙層時空”切割：舞臺左區是郭永懷與錢學森等合租的“中國留學生宿舍”，右區則是1949年新中國成立的新聞紀錄片投影。左右空間以“開門—關門”的音效同步切換，提示“個人命運”與“時代洪流”的同頻共振。此處文學性體現在臺詞的“雙關密度”——當郭永懷燒掉未發表的論文手稿時，舞臺提示寫：“火焰照亮他緊蹙的眉，像點燃的河。”形象兼具象征：燒毀的是個人學術榮譽，點燃的是報國執念。

3、 第三幕：高原上的“隱形歲月”《英雄仗劍入昆侖》

221廠保密生活被處理成“武俠片”節奏：科研人員夜闖戈壁，背著儀器像背著劍；口令“春風”對“江南”，暗合郭永懷最喜歡的《世說新語》。最精彩的是“高原缺氧”段落——演員把真實排練時“跑兩步就喘”的生理反應寫進行動：郭永懷和同事們每完成一次爆炸力學計算，就集體蹲下大口吸氧，像一群拔劍后力竭的俠客。舞臺提示里寫著：“氧氣面罩=武俠面罩，喘聲=劍鳴。” 全劇最長的一幕，卻刻意淡化“科研爆破”場面，而把筆力放在“等待”與“克制”上。郭永懷與妻子李佩、女兒郭芹的“三地書”被搬演為“三重唱”：演員在舞臺前區背對觀眾席，同步朗讀各自寫給家人的信件；后區則投映金銀灘草原的實時星空影像。聲音與影像的“對位”讓“小家”與“大國”在物理空間上被拉開，卻在心理空間上被縫合。編劇在此大量留白——對原子彈只字未提，僅以“它”代稱；觀眾卻從“不敢署名”的信紙與“不能抵達”的郵戳中，讀到科研工作者最痛徹的緘默。

4、 第四幕：死亡作為“最高形式的保存”《留取丹心照汗青》

失事段落沒有飛機模型，只有一塊2×3米的白色“紙幕”——用800張A4航空信紙拼成。飛機撞擊瞬間，紙幕從中間被撕出裂縫，演員在裂縫里做“雙人太極”：郭永懷與小牟緊緊環抱，像封存一枚時間的核。紙幕上方，鼓風機把碎紙片吹成“雪”，觀眾席有人伸手去接，發現是郭永懷寫給李佩的“第18封未寄出家書”，墨跡被汗水浸得發皺。 空難是史實，也是全劇最難處理的“終點”。2019版把原先“飛機俯沖—爆炸—定格”的寫實調度，改為“黑場＋手電光束”的極簡方案：十二名演員手持冷光手電，由低到高依次排成機翼形狀；郭永懷與警衛員在光陣中心，以“擁抱”姿態定格，隨后燈光瞬滅，僅留二人剪影。此處文本最具文學張力——郭永懷的臨終臺詞被壓縮成一句低語：“文件在，我就在。”死亡不再是終點，而成為“數據生命”得以永存的轉場。編劇用“光束—剪影—黑暗”的遞進，完成“肉身—信息—精神”的三級跳，從而把“死亡事件”升華為“價值傳遞”。

二、人物譜系：在“群像”與“個體”之間

校園戲劇常陷入“英雄無敵”的窠臼，《永懷之歌》則嘗試構建“眾星拱月”的多維人物圖譜：

1、 郭永懷——“去英雄化”的英雄

劇本刻意保留了他“科研焦慮”與“父愛缺失”的細節：第二幕末，他在宿舍地板演算至深夜，突然面對觀眾喃喃：“如果算錯了，中國要慢多少年？”；第三幕，他面對女兒來信想買“一雙白球鞋”時，以手指反復丈量舊鞋上磨損的洞。這些“去英雄化”的瞬間，讓理性與脆弱互文，為人物增加溫度。

2、 李佩——“被等待”的能動者

傳統敘事中，科學家配偶常被處理為“守望者”。本劇卻讓李佩在“牛棚”段落朗讀自己寫給丈夫卻未寄出的信：“你說國家是磁場，我說你也是我的磁場……等你回來，我們重講熱力學第二定律，講熵增，也講人心。”她以科學話語回應科學家人格，把“被動等待”改寫為“平等對話”，從而呈現知識分子伴侶的精神對等。

3、 郭芹——“成長中的青年鏡像”

全劇最顯著的“青年視角”由郭芹承擔。2019版將她的年齡下調至12歲，與臺下多數本科生的“童年記憶”同步。她在第三幕獨唱《小星星》變奏版，一邊仰望真正的星空投影，一邊提問：“爸爸，你把星星摘下來要多久？”童聲與冷光星空的并置，把“科學”與“童話”強行拼接，暗示“兩彈一星”事業亦是給下一代“摘星”的隱喻。

4、 “群像科學家”——多重聲部合唱

221廠科研群體被設計成“多聲部”敘事：有人負責“數據焦慮”，有人負責“鄉愁爆發”，有人負責“幽默調劑”。他們在舞臺上形成復調，與郭永懷主旋律交織，避免“獨角戲”風險，也體現“大力協同”的史實。

三、語言風格：文言、口語與術語的三重混融

編劇團隊由三名漢語言文學專業本科生組成，其語言策略呈現“三重混融”：

1、 文言——儀式化詩性

四幕標題直接取自《左傳》《詩經》《史記》《離騷》，為全劇奠定“史詩”基調。幕與幕之間過渡，由一名“講述人”手持簡牘，以四言詩形式進行“史官式”敘事，為現實主義文本注入“史傳”氣韻。

2、 口語——校園生活的“在地感”

郭永懷與同學斗嘴、留學生宿舍包餃子、221廠夜里偷吃青稞酒等段落，大量使用“嗨呀”“得嘞”“餓扁了”等口語，消除歷史人物與當代學生的語境隔閡。

3、 科技術語——“硬知識”的軟著陸

空氣動力學公式、激波概念、核試驗代號等“硬核”信息，被拆成“比喻＋動作”：演員用拔河表現“激波面”，用擊鼓傳遞“數據波”，讓觀眾“看見”抽象概念。此種“具身化”處理，是校園戲劇把“科研題材”講通俗的關鍵。

四、舞臺形象1、傳統符號的“現代轉譯”

（1） “簡牘”與“硬盤”——記憶介質的并置

第一幕“西南聯大”場景出現真實竹簡，演員以毛筆記錄實驗數據；第四幕空難前，郭永懷把公文包里的“硬盤磁帶”緊緊抱在胸前。竹簡與硬盤跨越兩千年，成為“知識載體”的象征，提示“文明傳承”的物理性。

（2） “紙飛機”與“轟6”——童年夢想與國家重器

第二幕結尾，少年郭芹折的紙飛機被投光放大，掠過舞臺；隨后無縫轉場至第三幕真實轟6轟炸機投影。紙飛機—轟炸機的“變形”，把“個體童年”與“國家戰略”強行焊接，完成“小家—大國”的意象躍遷。

（3） “星空”與“戈壁”——浪漫與荒涼的互文

全劇多次使用實時星空投影，配合現場大提琴獨奏《夜空中最亮的星》。星空象征“永恒”，戈壁象征“荒涼”，二者重疊提示：荒涼之地亦可仰望永恒，恰如科學家在貧乏物質條件下追求精神無限。

2、音樂與燈光：多重感官的“精神催化”

（1） 音樂——“兩軌并行”的聲場設計

全劇采用“現場＋預錄”雙軌：大提琴、手鼓、口弦為現場演奏，營造“即時性”；原子彈爆炸、飛機轟鳴則使用預錄音效，確保震撼度。爆炸瞬間，現場大提琴以“碎弓”技法制造高頻噪音，與預錄音效形成“聲墻”，讓觀眾在生理層面體驗“科研突破”的撕裂感。

（2） 燈光——“低色溫”與“高藍光”的對沖

一二幕以2700K暖黃光為主，突出“舊時代”“校園”“家庭”溫度；三四幕驟升至6000K冷藍光，暗示“國家任務”“理性”“極端環境”。冷暖對沖，完成“情感—使命”的視覺轉場。

五、表演機制與觀眾接受

1、表演機制：非職業演員的“情感真實”

“我們”戲劇社成員皆非表演專業，卻利用“身份重合”完成“情感真實”：

（1） “學生演學生”——年齡重合

郭永懷西南聯大時期僅二十出頭，演員本身本科在讀，無需額外“減齡”。他們把自己對考研、出國、擇業的焦慮，直接移植到人物身上，實現“本色”與“角色”的零度縫合。

（2） “高原演高原”——地緣重合

青海本地學生對缺氧、干燥、紫外線強烈的氣候有切身體驗，第三幕“戈壁夜談”中演員臉頰真實的“高原紅”，比任何化妝效果都更具說服力。

（3） “理科演理科”——專業重合

數學、物理、計算機系學生參演后，把真實實驗流程、程序代碼、公式推導帶入舞臺，使“紙上科研”呈現“肌肉記憶”般的準確度。

2、觀眾接受：一場“雙向奔赴”的精神對話

青海師大2019年共演出8場，問卷回收762份。對“哪幕最打動你”一問，57.3%觀眾選擇第三幕“三地書”，遠高于第四幕空難。多數受訪者寫道：“等待比死亡更難受。”——這從側面證明，編劇對“犧牲”前置的情感鋪墊（等待、克制、留白）已有效抵達受眾。值得注意的是，15.6%觀眾提到“想馬上給父母發消息”，顯示校園戲劇的“即時情感動員”能力。觀眾不再只是“被教育者”，而成為“主動傳播者”，實現“思政教育”與“審美教育”的合流。

六、問題與展望：校園戲劇的“可持續”路徑

1、 劇本版權與“版本迭代”

《永懷之歌》由學生原創，但版權歸屬學校，隨著主創畢業，后續修改、復排面臨“人才斷檔”。建議引入“課程化”機制，將劇本納入戲劇創作課，每兩年選拔新一屆學生進行“版本迭代”，既保持活力，也沉淀校史。

2、 非職業演員的“流動”與“穩定”

完全依賴“興趣驅動”無法保證演出質量。可探索“學分＋獎學金”激勵，或設立“校園駐團藝術家”崗位，引入專業導演長期指導，形成“師生混編”的常設劇團。

3、 從“校內表彰”到“學術闡釋”

目前外界對《永懷之歌》的關注仍停留在“德育成果”報道，缺乏“學術向”的文本細讀與美學剖析。若能出版《郭永懷戲劇與研究》集，收錄劇本、創作日記、學者評論，可為校園戲劇提供理論支點，也可成為戲劇影視專業案例教材。

結語：讓“永懷”成為可反復擦寫的“精神黑板”

《永懷之歌》最打動我的，不是“永懷”作為名詞，而是被劇組活用的動詞——“今晚，你永懷了嗎？”演出結束，演員站在觀眾出口，每人遞一張空白航空信紙，讓大家寫“自己想永遠懷抱的一句話”。半小時后，信紙被貼成一面“紙墻”，燈光打上去，像一座會發光的核反應堆。有人寫“我想永懷沒說完的對不起”，有人寫“我想永懷西寧夜晚八點半的粉霞”，還有人只寫兩個字——“爸爸”。 那一刻，歷史不再是課本里的功勛錄，而是一張張會呼吸的便簽，被800米高原的風吹得獵獵作響。

郭永懷若在天有靈，大概會笑著把這張“便簽核反應堆”夾進新的手稿，然后轉身，走向下一片金銀灘——那里，一群穿羽絨服的大學生正蹲在地上，用舊貨市場淘來的煤油燈，繼續排練人間最緩慢的“慢動作燃燒”。《永懷之歌》不是完美的藝術品，卻是一次值得被記錄的“自我教育”實驗。它讓“科學家精神”不再停留于展板口號，而成為學生可觸摸、可改寫、可再創作的“活的文本”。當演員在謝幕時高舉寫著“我們”的燈牌，觀眾席爆發出長達三分鐘的掌聲——那不僅是對一臺校園話劇的致意，更是對“青春—家國—科學”三重命題的集體確認。愿未來的高校舞臺，出現更多這樣的“永懷”：可以被一代代學生重新擦寫、批注、上色，讓科學報國的火種，在一次次“并不專業”的演出里，持續燎原。