SS26上海時裝周 LABELHOOD｜DAY1 回顧

初秋的第20季蕾虎先鋒時裝藝術節回到蘇州河畔——那條在歷史與當下之間緩緩流淌的河，如同一面鏡子，映照出當代女性的多重形態：浪漫與理性、溫柔與鋒利、神話與現實。光與水交織成舞臺，六場秀像從河底浮起的片段記憶，在不同的時刻與心緒中閃爍。它們共同講述著一個關于“成為”的故事——當代女性如何在流動的世界中，重新定義自己。

從 FORDARE 縫合算法時代的愛情幻覺，到 CAMEY LIU 重寫莉莉絲的神話；從 OUDE WAAG 的鏡像自省，到 ZITA TAN 的深海幻覺；再到 AO YES 的知性春風與 YIRANTIAN 的冷靜智慧——六場秀共同繪制出一幅女性精神的地圖。這里的浪漫并不柔軟，它帶著棱角與理智的冷光；這里的力量也并不喧嘩，而是藏在纖維、縫線與光影的縫隙里——那是被重塑的身體、被重新定義的情感，是一次從“被看見”到“自我觀看”的演化。

在蘇州河緩緩流動的水聲中，時裝成為意識的語言。它讓愛、欲望與獨立交織成流體的形狀，讓“女性”不再是被書寫的對象，而是親手書寫自身的筆鋒。光、霧、水與衣的交錯，最終匯聚成一場屬于當代女性的靜默革命——在初秋的夜色中，無聲，卻璀璨。

在愛情早已進入算法與社交語境的時代，浪漫不再是偶然，而是一種選擇性的表演。FORDARE 26 春夏系列以「21世紀之戀」為題，從當代戀愛中最細微的精神裂隙出發——那些被濾鏡包裝的親密、被算法計算的欲望、以及“自我投射”式的愛意——都被縫合進這一季的衣縫與褶皺之中。

這一季的 FORDARE 呈現出一種更冷靜、更叛逆的浪漫。開場造型以黑色蕾絲與輕盈的緞面開篇，仿佛一場關于“欲望與防御”的雙人舞：薄紗披巾像面紗，也像自我設下的界限。白色造型轉而將蕾絲與運動元素并置——緊身上衣、網眼襪、綁帶吊襪帶，既是內衣也是盔甲，讓人聯想到“戀愛”這一當代戰場上的角色扮演。

秀場中段，FORDARE 用牛仔與內衣的錯位重組，展現當代少女的“混合態”身份。手繪感的漫畫印花出現在解構式上衣與短裙上，帶有一種青春的沖撞，也是一種對于戀愛敘事的反諷——那些被過度浪漫化的瞬間，被印在布料上成為一種懷舊的諷刺。牛仔布的粗糙與蕾絲的細膩共生，正如現實戀愛中“真誠與表演”與“熱烈與疲憊”的并存。

有趣的是，FORDARE 并不以悲觀的視角看待“塑料關系”。帶有 Slogan 的 T 恤以輕描淡寫的幽默傳遞態度——“love is ok”、“best woman”、“永遠の愛”——這些文字像是網絡時代的情感碎片，也像是我們在親密關系中反復排演的咒語。設計師以一種清醒的姿態，讓浪漫變得更真實，也更可笑：愛可以輕佻，但依然值得相信。

在結構與材質的語言上，本季 FORDARE 延續了品牌的標志性風格——解構的蕾絲拼貼、廓形外套的輕盈運動感，以及略帶戲劇化的比例游戲。蕾絲風衣與運動外套的融合，讓“性感”脫離性別框架，而成為一種自我態度；粉藍與米白色的交織，傳遞出戀愛語境下的情緒層次——既溫柔又冷漠，既可愛又防御。最后幾套造型中，3D 打印胸衣與陶瓷配飾的出現，賦予“純愛戰士”般的未來質感：愛在這里不再是情緒，而是一種科技雕塑下的情感力量。

FORDARE 的有趣之處，在于它始終對女性主體保持復雜的理解。它既不神圣化“愛”，也不嘲諷“愛”。「21世紀之戀」是一場關于自覺的浪漫。它不是逃離當代，而是用當代語言重新定義浪漫——用針腳代替情書，用解構的蕾絲代替誓言，用一場秀去回答“愛是否仍然可能”。而 FORDARE 的答案是：是的，只要我們仍然愿意以開放與誠實，去面對那場彼此都不完美的親密。

在一片垂墜的白色帷幕之間，光從縫隙里滲出，像神話被重新撕開的入口。空氣中彌漫著霧氣與冷調燈光，仿佛伊甸園在坍塌后的某個傍晚，正孕育出新的秩序。CAMEY LIU 以《Giardino di Lilith》（莉莉絲的花園）為名，為這個時代重新書寫了一則古老的神話：關于被驅逐的女人，關于身體、誘惑與權力，也關于那些仍在花園中生長的、尚未被命名的女性。

莉莉絲，是《舊約》之外的異端傳說。她拒絕屈服于亞當，從伊甸園逃離，成為“夜與風的化身”——她既是惡魔，也是原初的獨立者。CAMEY LIU 將這種精神投射進當代的身體語言中：在她的服裝結構里，脆弱與堅硬、神性與肉身彼此共存，沒有明確的邊界。系列中的每一個造型都像一段進化史，從白到銀、從藍到黑，宛如從晨光走向夜幕的過程，也像女性自我意識的覺醒路徑。

開場造型令人屏息——銀質冠冕高聳，尖刺的輪廓猶如某種古老的防御儀式。模特的肌膚被裸色薄紗覆蓋，紗面上密布金屬鉚釘與幾何立體結構，形成如鱗片般的護甲。那是一種非人類的美，介于神祇與機械生物之間。

藍色段落的出現，像神話中的第二幕。模特的身體仿佛被海水吞沒，又從深處浮現。那條短款的不對稱禮服由多層半透明的藍紗構成，表面覆以細小的銀色枝蔓與羽狀結構，如浪花拍打在珊瑚之上。

在更貼近皮膚的部分，鉤織成為隱喻。設計師用這種極具女性經驗的手工語言，對抗工業時裝的冷漠邏輯——她讓纖維重新擁有溫度，讓女性勞動成為自我裝飾的一部分。另一套白色造型裙身由羽毛、絲線與卷曲的刺繡組成，立體的構造像有機生物在生長。

當音樂轉為低沉，黑色造型緩緩登場。兩位模特在舞臺中央相對而立，一身金屬灰，一身烏黑，衣身由硬質塑膠、涂層絲緞與光滑皮料層疊構成。她們相互凝視，距離極近，卻沒有沖突的姿態。那是光與影的對話，也是女性身份內部的對抗：在順從與抵抗、欲望與秩序之間，CAMEY LIU 沒有給出答案。她只是讓這種張力懸浮在空氣中，成為觀者不得不面對的情感。

秀場的空間設計延續了這種敘事的層次。帷幕與燈光營造出一種近乎宗教式的儀式感，模特的行進像一次神話儀式。《Giardino di Lilith》的力量在于，它將神話轉化為現代語言。它不只是關于美或性感，而是關于“自我擁有”。CAMEY LIU 莉莉絲不是復古的女巫，而是一個清醒的創造者，一個在當代敘事中重寫自己命運的存在。

當最后一位模特消失在帷幕之后，光線再次暗下，舞臺上只剩下空氣的震動。那一刻你會意識到，CAMEY LIU 的“花園”并不屬于過去的伊甸，而是未來的荒原。她讓欲望與理性、肉身與靈魂重新并置——讓被放逐的莉莉絲，終于以自己的姿態回到光里。

在一片鏡面森林中，模特的身影被不斷復制、拉伸、折射——每一次轉身都像在追逐另一個自己。OUDE WAAG 2026 春夏系列以極簡的空間營造出一種心理強度：光線滑過鏡面與皮膚，觀眾的凝視被反射回來，成為秀的一部分。

這是一次關于“自我觀看”的實驗，也是一場冷靜而熾烈的覺醒。

設計師尹經緯讓柔軟成為鋒利的延伸——那種細膩的、被壓抑的性感。首個造型以橄欖色緞面短裙開場，領口高束，腰間以細皮帶微微收攏，裙擺在行走間隨光流動。緊接著的裸米色造型將內衣式結構與西裝語匯拼合：短裁上衣下隱藏著緞質抹胸，褲裝寬闊而流暢，輕盈的布料在步伐間展開又收攏，如呼吸一般。這種“半裸不暴露”的邏輯，是 OUDE WAAG 一貫的表達——女性不通過揭露，而通過掌控自己的呈現方式來建立權力。

棕與苔綠的組合帶來柔軟的延續。針織上衣與絲緞裙的組合松弛卻緊密，像皮膚與空氣的對話。隨著行進，面料自然皺起，光在其上流淌成陰影的波紋。這一刻，OUDE WAAG 的浪漫并非裝飾性的，而是一種對時間與身體的感知：真實、緩慢、無聲卻深刻。

系列中段，幾套以深棕與黑色為主的造型令全場氣氛驟然凝聚。透視的網紗與結構化的內衣線條交織出一場“理智的性感”。一件上身幾乎全由透薄網布構成的長裙，以腰部結褶的方式制造出扭轉的視覺節奏。另一套帶有蓬起裙擺的長禮服，在前短后長的體積中形成雕塑感的運動，仿佛風從身體內部被釋放。這種張力，既來自剪裁的克制，也來自身體的自覺——每個女性都在重新定義“被注視”的姿態。

隨后登場的數套金褐色與象牙色禮服成為視覺高潮。布料以重力自然垂墜成包裹狀的輪廓，身體被柔軟的弧線擁抱，隱喻某種重生的姿態。那是一種對“形體”的反思：服裝不再追隨身體，而是成為身體的延伸與回聲。秀尾轉入冷藍色調，褶皺的裙裝與解構的夾克并置，硬朗與流動并存。腰部的挖剪如傷口般鋒利，卻被柔韌的布料縫合得近乎詩意。

最后一幕，所有模特重回鏡面空間。燈光由亮轉暗，鏡中的倒影交錯成一片模糊的流動。她們看似行走，卻像漂浮在光之海中。那是一種去身份化的美：沒有主語，只有“存在”。

OUDE WAAG 一直在探索“女性形象”與“自我觀看”之間的臨界點。鏡面裝置的設置正是對這一主題的隱喻——在多重反射中，服裝與身體互為影像，觀眾也成為畫面的一部分。這是一次凝視的反轉，一次被動到主動的權力遷移。

當最后的光線熄滅，你會意識到：OUDE WAAG 所創造的“鏡中世界”，并非關于幻象，而是一種更真實的存在方式。

她讓女性成為光的擁有者，而非被照亮的對象。

在那片深紅色的地毯上，模特們像一群緩慢浮出的生物。她們的身體被半透明的殼體、螺旋的浪、柔軟的剪影所包裹——ZITA TAN 的《第三潮汐》并非一場關于服裝的展示，而是一場關于“生長”的演出。每一步都像潮水的輕微倒退，帶著一種不確定的韻律感。

秀場空間被布置成一條漩渦，仿佛觀眾也正被卷入一個無邊的深海神話中。白色絨面構成的螺旋象征潮汐的呼吸，模特在上面行走時，腳步與光影都變得異常輕盈。海洋并未被描繪成現實中的景象，而是一次精神性的模擬：水流與風、羽毛與貝殼、欲望與夢境的共生。

ZITA TAN 以她一貫的超現實構筑語言，將“深海生態”與“天上神話”并置成一種獨特的生物學美學。那種“生物層疊生長”的質感在本季被推至極致——激光切割的纏繞邊緣仿佛藤蔓在皮膚上呼吸，三維打印的白色螺旋裝飾從身體的一側盤旋伸展，既像防御的外殼，也像正在展開的花。她的服裝總在柔軟與攻擊之間尋找一個平衡點，那是一種屬于女性的“雕塑式敏感”。

尤其是那件紅與白交織的禮服：猶如貝殼爆裂的瞬間，雕塑感的結構與布料的垂墜同時存在，形成幾乎反重力的視覺張力。它不再是“衣服”，而是一種具象化的力量——像神話里某種新生的生物在掙脫皮囊。

銀色的禮服被切割成藤蔓狀的碎片，黑色的花瓣沿著身體蔓延。光在布料上流動，像潮水掠過礁石；而透明紗與硬質材料的疊加，制造出一種奇異的延時感，仿佛身體并不完全存在于此刻，而在另一個維度慢慢顯形。

ZITA TAN一直擅長用工藝語言講述心理的流動。她將女性身體視為一片可生長的領域，而非被規訓的形式——在《第三潮汐》中，這一點尤為明顯。那些被切割、縫合、覆蓋、重組的細節，像是在模擬一種重塑身份的過程。整個系列中，配飾的運用極具敘事性——有的像珊瑚骨骼，有的像機械羽翼，更多時候則像是某種未知文明的遺物。它們并非附屬品，而是故事的一部分。那種“視覺張力”讓每一個造型都帶著一種靜默的召喚，仿佛在邀請觀眾靠近，又在同時拒人于千里之外。

如果說上一季的 ZITA TAN 仍在探索“女性的夢境”，那么這一次，她終于潛得更深了。《第三潮汐》是一種身份的潛入——一種將自然與自我折疊成幻覺的嘗試。服裝成為語言之外的敘事工具，講述著人如何在流動的界限中被重塑：成為波浪、成為神話，也成為自己。

AO YES凹是的世界總是安靜的。它不以聲勢取勝，而以思考的溫度，在布料的褶皺與剪裁的線性中，建立一種“理性之美”的秩序。2026 春夏系列《春風沉醉的晚上》延續了這種不喧嘩的氣質，卻注入了一縷隱秘的詩意波動——那是一種“知性者的春天”，溫柔而堅定，克制卻暗含熱度。

系列靈感來自郁達夫同名小說——一個關于孤獨與欲望、夢境與現實的文學意象。設計師以詩的結構去組織衣裝的節奏：層疊的云紋綢與輕盈的真絲仿佛夜色與春風交織，而“蝴蝶”的意象貫穿全場，如潛藏的隱喻般反復閃現。它出現在衣領的波形曲線、袖口的翻折、胸前盤扣的結構里——不是直接的裝飾，而是一種微妙的暗示。

AO YES 一向擅長在“文人氣”與“當代性”之間游走。這一季的“蝴蝶”并非浪漫的象征，而是一種轉化的姿態。蝴蝶形領口在白襯衫上被極度簡化，只留下最細微的曲線——既像飛翔的輪廓，也像思考的痕跡；盤扣則被解構成蝶結狀的繩結裝飾，在“解”與“系”之間，完成一場傳統與現代的對話。那種極度收斂的設計語言，讓浪漫變得知性，讓象征具備邏輯。

秀場節奏干凈而流暢，沒有多余的表演感。熒光粉、深藍與白色構成鮮明而克制的視覺秩序——即便是最耀眼的熒光，也在 AO YES 的手中變得理性、冷靜，像一束穿透夜色的詩句。那是一種不張揚的華麗，像知識分子在書頁間隱藏的情緒：閃光，卻不喧鬧。

幾組造型尤為突出：一件淡粉的立體領襯衫，領口翻折成柔軟的蝶翼，與下身硬挺的長褲形成微妙的張力；一條葡萄珠繡的吊帶裙，透明珠粒在光下閃爍如露水，將“成熟”與“新生”凝于一體；而最后出場的墨藍連衣裙上，微光刺繡的花卉仿若記憶的殘片，在燈光下輕輕浮動。每一件衣服都像一句被克制的詩。

AO YES 從不急于定義“女性”——它更像是在書寫“成為女性”的過程。那些盤扣、領線、花紋的微小變奏，是身份流動中的痕跡。蝴蝶意象因此擁有新的層次：它不再象征愛，而象征“思想的蛻變”——一種從溫柔到堅毅、從夢境到現實的遷移。

兩位設計師對于手工的堅持，在這一季被提升為一種精神姿態。每一顆珠子、每一道刺繡都不為裝飾，而為情緒服務。那種“工藝的理性”讓 AO YES 與其他浪漫主義品牌截然不同：它不是抒情的，而是反思的；不是展示浪漫，而是分析浪漫。

當最后一位模特轉身離場，光線逐漸收緊，空氣中仍回蕩著一絲未散的氣息——像句未完的詩。AO YES 讓人想起郁達夫筆下那句潛藏的情緒：“春風沉醉的晚上，一切都在微微顫動。” 那種“無聲的情感”，正是品牌的語言：不高聲宣告，卻深入人心。

YIRANTIAN 2026 春夏系列以“Intuitionist”為主題，用設計語言梳理鋒利與柔性之間的對話，詮釋理性與感性間微妙的平衡。系列將寧靜而內在的力量灌注于每一處細節——不事張揚，卻自有聲量。這并非純粹的知識分子風格，更是一場源于群體認同、忠于細節表達的宣言。

內斂的金屬光澤緞面貫穿系列始終，粉、黃、藍、紫與經典黑白等冷色調均以細膩質地呼應著春夏的輕逸氛圍，詮釋冷靜的性感。全新印花呈現謹慎而規律的格紋排列，將系列主色以穿插編織的方式融入柔性面料，仿佛思維在織物間理性流動。剪裁精準的西裝與套裝延續品牌一貫的利落語言，以建筑感線條勾勒出當代女性輪廓。系列最后出現的編織設計點亮秀場——麂皮與彩色緞面經由手工編結，形成色彩歸類嚴謹、結構分明的高級單品，亦隱喻著冷靜的思考過程。同步亮相的還有全新 Mini CIPHER 手袋，以小牛皮制成，延續中號的簡約形態而更顯精巧，不僅實用性強，其極簡的外形與時髦的尺寸也成為點睛配飾，完美融入都市女性的日常著裝。

“智慧誕生于寧靜的脈絡，而非喧囂之中。”本季，設計師以“鋒利的柔軟”為注腳，將理性思考轉化為可觸摸的織物語言——如神經元網絡般既精密亦感性。系列中的套裝絕非刻板符號，細節隱于其間：面料拼接的微妙反差、半裙腰褶內的異色處理、后背開衩處的悄然撞色，皆成為群體間的默契密碼。這些設計讓穿著者在維持專業姿態的同時，亦不曾丟失審美的自我言說。

真正的力量從不喧嘩，智慧往往以沉靜的方式回響。在知識密度與審美感知交匯處，在精準結構與細膩細節共生之間，女性不被定義，而是以自己的語言，完成風格的自成。