可感：鄭陸心源與她的電影感官世界

山海訓練營

MaP Training Camp

「山海訓練營」是羊城晚報“向山海走去”青年導演創作扶持計劃中，聚焦創作實踐與項目落地的核心單元。作為“山海計劃”體系的重要組成部分，訓練營著眼于電影項目在真實條件中的生成過程，從創作判斷的建立到制作路徑的明確，為青年導演提供一段高密度、可檢驗的實踐階段。

自2024年起，山海訓練營每屆選址粵港澳大灣區的一處特定地點舉辦，為期7天。訓練營圍繞電影公開課、一對一工作坊、影人論壇、駐地創作與影片放映等內容展開，并設置公開提案大會，經評審與討論，最終決選出“山海計劃年度10強青年導演”并進行表彰。

入選的青年導演在這一周的密集交流與學習中持續打磨項目，也在與導師及同伴的討論中建立起更廣泛的專業鏈接。圍繞山海訓練營的不同側面，我們也將陸續整理并呈現更多回顧內容。

2025山海訓練營

鄭陸心源·導演創作公開課

在當代影像創作不斷被技術、類型與效率重塑的語境中，“如何感受”正在重新成為一個被反復追問的問題。

作為一位游走于電影、文字、街頭藝術、攝影之間的圖像實踐者，鄭陸心源的創作始終拒絕被單一媒介或成熟范式所定義。她的作品以鮮明的實驗氣質與個人感受力為核心，從長片首作《她房間里的云》斬獲鹿特丹國際電影節金虎獎，到紀錄長片《錯落斑駁的》入選柏林電影節論壇單元，其創作路徑本身，便是一條不斷在系統訓練與直覺經驗之間校準、游移的軌跡。

鄭陸心源《她房間里的云》海報

在數字影像高度普及、表達方式日益趨同的今天，鄭陸心源并不急于給出方法論層面的“答案”。相反，她始終將注意力放回創作者的身體、時間經驗與具體處境——那些尚未被語言完全命名，卻真實地塑造著影像氣質的部分。在她看來，電影并非逃離現實的出口，而是現實持續延伸、不斷滲入虛構的場域。

鄭陸心源《錯落斑駁的》海報

7月14日下午，廣州阿那亞·九龍湖山海訓練營現場，青年導演鄭陸心源以“可感”為題，展開了一次關于感受力、判斷力與創作倫理的深入分享。從個人創作經歷出發，她回顧了系統訓練的利與弊，討論了自由創作背后的準備與約束，也邀請每一位創作者重新審視：在影像被迅速消費、被不斷標準化的當下，我們是否還保留著對世界的真實感受能力。

2025山海訓練營公開課現場

01

感受力從何處開始：

時間、身體與一次不可復制的相遇

在公開課開場，鄭陸心源首先播放了自己首部長片《她房間里的云》的預告片。影片首映距今已經五年，銀幕上的人物依舊年輕，而現實中的時間卻早已向前推進——演員和劇組成員中，有人轉行、有人結婚生子、有人離婚。

鄭陸心源在現場坦言，這種時間錯位本身，正是她理解“創作”的一個起點：

“你會發現，其實人生是一個特別線性的過程。只有在那段時間遇到這群人，你才會做這樣的片子。早一點、晚一點，可能都不一樣。”

她并不回避作品中存在的生澀與瑕疵，反而將其視為一種階段性的真實印記。在她看來，每一個創作者在不同人生階段都會有獨特的表達欲望，而這些尚未被修整、尚未被“成熟經驗”覆蓋的部分，本身就具有不可復制的價值。

鄭陸心源《她房間里的云》劇照

這一判斷，與她后來反復提及的“感受力”高度相關——

“它是當下現實穿過創作者身體時，留下的痕跡，這個跟每個人的智性、感性體質，以及各自開發出來的敏感帶有關。”

她也并不回避這種感受力在現實語境中所遭遇的擠壓。回憶起自己剛入行時的經歷，鄭陸心源提到，第一次參加創投時，她是現場最年輕的導演之一，PPT還沒講到核心部分，就被評審打斷，質疑她“用什么機器拍”。

在她看來，這并非針對某一個體的偶發事件，而是一種被廣泛默認的行業運作方式——在有限的上臺時間、既定的評審邏輯與賽制規則中，創作者往往需要快速接受某種“拷問式”的判斷。她并不否認，在這樣的結構中，導演很多時候是身不由己的，甚至必須在形式上服從規則，才能讓作品被繼續看見。

鄭陸心源在拍攝現場

但她同樣明確指出，這種服從不應成為磨平創作鋒芒的理由。

“在最開始面臨某種不被信任的感覺，這是很正常的。只要作品足夠新、足夠獨特，就一定會冒犯某些審美，也必定在想象之外。”

在她看來，問題并不在于是否經歷質疑，而在于是否因為適應規則，而過早地放棄作品中那些尚未被理解、卻真實存在的感受。正是這種“冒犯”的可能性，使作品有機會打開新的感知通道——觀眾并不是天然知道如何去感受一部作品，創作者能做的，是先把它呈現出來，讓體驗本身得以發生。

也正因為如此，這種態度貫穿了她此后幾乎所有的創作選擇：回國拍攝《她房間里的云》，在并不友好的觀看環境中堅持作者電影的表達。她并未否認行業機制的現實存在，但始終警惕一件事——不要因為適應機制，而丟掉作品中最初的銳氣，或那種尚未被馴化的“冒犯”。

鄭陸心源導演《她房間里的云》

在第15屆FIRST青年電影展獲得最佳藝術探索榮譽

02

“現實由此延伸”：

在系統訓練中保持警惕

進入南加利福尼亞大學（USC）電影學院之后，鄭陸心源經歷了一套高度系統化的訓練。她提到，在那里，幾乎所有學生都必須輪流學習制片、導演、編劇、聲音、攝影等不同工種。這種訓練方式讓她至今心存感激：

“這讓我明白每個部門在做什么，也更懂得尊重他人的工作，知道如何溝通，才能真正達到一個共同的目的。”

但與此同時，她也很快意識到，系統訓練并不天然等同于創作自由。開學第一天，學校影院的燈亮起，銀幕就看不清了，等到兩邊的幕布拉開，銀幕上出現一句標語——“Reality ends here.”（現實在此終結）。全場掌聲雷動，而她卻產生了懷疑。

2025山海訓練營公開課現場

在她看來，電影真正有趣的地方，并不在于逃離現實，而在于虛構與現實之間不斷發生的相互滲透與入侵：

“對我而言，電影不是‘現實在此終結’，而是 reality starts from here——現實由此延伸。”

這種判斷，在她臨近畢業時被進一步驗證。最后一節導演課上，老師讓所有人重新觀看入學前的作品。幾乎全班都陷入震驚——那些早期作品極具個性，表達欲望強烈，而經過四年訓練后，大家的作品卻呈現出某種趨同性。

這一時刻讓她意識到，在電影教育與工業訓練中，“對”與“錯”的標準本身就值得持續警惕。創作并非線性進步，而是一條不斷修正、不斷偏移的軌跡。

某一刻你可能篤定要執行一個想法，而下一刻卻必須學會擁抱變化。正是這條搖擺、試探、修正的軌跡，真實地標記著創作者認知邊界的生長。

后來她也在訪談中提到，好萊塢式的訓練存在一種隱性的危險——當你掌握了足以“唬人”的技巧，就可能太輕易地使用它們，反而削弱了感受本身的復雜性。

鄭陸心源新作A Stranger at My Door將由

知名導演關錦鵬擔任監制

03

自由并非無準備：

在非文本中建立創作倫理

回國后，鄭陸心源開始籌備自己的第一部長片。在這一階段，她曾參加FIRST青年電影展訓練營，并帶領兩位主創前往西寧進行創作實踐。

她首先確認自己不想拍什么樣的作品：“我不想因為身處陌生的城市，就拍一個‘在哪兒都能成立的短片’。”于是，她拒絕準備完整文本，只基于即將合作的攝影師和女演員，寫下一頁紙的關系框架。這并非對結構的逃避，而是一種更為嚴格的自我約束——材料需要來自有機的體驗和觀察。

她回憶起與當時的訓練營導師——導演蔡明亮，在勘景階段的對話。站在一個破舊天臺上，她向蔡導描述兩件當時令自己著迷的事情：一是攝影書中照片與照片之間并不存在強邏輯，卻依然能生成整體感受；二是拍攝者與被拍攝者之間存在的權力關系。

蔡明亮的回應：“去拍吧，關系會自然呈現。”

那次拍攝，也是演員金晶第一次到西寧，鄭陸心源請她每天寫日記，留下一手的新鮮感受。籌備過程中，團隊將探索創作的過程記錄——廣場舞、流浪者、城市邊緣的日常。

導演鄭陸心源與演員金晶在鹿特丹國際電影節

但部分素材，最終沒有進入影片。她強調，倫理判斷也是創作的一部分：“有時候即使拍到了很有趣的東西，也不意味著它一定應該被使用。”在這一過程中，她會時不時地問自己：我真正想看到的是什么？

進行調研的過程中，她會逐步整理文本，形成一份類似工作手冊的內容——一方面提醒自己不要遺忘關鍵的觀察點，另一方面也讓劇組成員獲得參與感，從而貢獻各自的感受力。

她并不急于獲得肯定。她更看重，自己是否能在充分完成作品之后，與合作者、觀者建立多層次交流的關系。也正是在一次次創作實踐的過程中，她逐漸意識到：情境的構建、節奏調度、感官層面的整體體驗，往往比情節本身更復雜，也更需要導演保持高標準。

鄭陸心源《公車上的白色蝴蝶》（2018）劇照

04

“靈氣”從何而來：

把感受力交還給每一個人

在公開課接近尾聲時，鄭陸心源總結道：“當我們討論一個片子有沒有靈氣的時候，其實取決于導演和每一個參與者，是否都能貢獻自己的感受力。”

這種感受力，來源于對環境的觀察、對人物命運的關懷，以及在獲得新感受之后持續展開的思辨。

她并未將“感受力”神秘化，而是邀請現場觀眾進行了一次非常具體的練習：“請大家閉上眼睛，感受離自己最近的材質是什么，感受自己的脈搏與心跳，感受自己的速度與周遭環境的速度。”

2025山海訓練營現場

她特別強調，這種體驗不需要任何人的點評，也不需要被立刻轉化為語言或觀點。正如她在多次訪談中反復提到的那樣——語言只是溝通的媒介之一，身體、情緒與直覺同樣構成創作的重要部分。

在她看來，創作并不是為了迅速被理解，而是為了讓某種尚未被命名的感受，得以存在。

“當有些東西沒有被變成整齊劃一的樣子，它本身就已經是勇敢的。”

——鄭陸心源

05

現場觀眾提問:

關于感官、合作、設備與判斷力的延伸討論

Q1

在電影創作中，如何將聽覺、嗅覺、觸覺等感官體驗通過影像表達？您如何判斷這種轉化是否準確？

鄭陸心源

這個問題里，其實已經隱含了一個前提：好像存在一個“準確”的轉化標準。但對我來說，這個事情本身并沒有那么重要。

在創作初期，我也經常說不清楚自己想要什么。就像點菜的時候，總會下意識說“隨便”。不是真的沒有判斷和喜好，是還沒有學習如何表達具體的選擇和需求。所以我開始逼自己從最小的事情開始練習，比如今天這一頓，更想吃什么東西。

最早的時候，我連請演員再來一個take都覺得不好意思，好像在否定對方。但導演工作本身，就是一個不斷做選擇、不斷承擔選擇后果的過程。

我覺得還是要敢試。比如，剪輯過程中，卡在一個地方，交給大家看，所有人都會發表意見。如果你先不說話，去聽，有些意見當下聽起來非常荒謬，甚至覺得對方“完全不知道自己在說什么”，但有時候，有些“荒謬”的意見，在影像中是可以奏效的。

我自己不太做紙上剪輯。因為很多感官層面的東西，是你在腦子里無法預判的。只有真正看到畫面、聽到聲音，你才知道某個選擇是不是成立。所以與其說我在判斷“準不準確”，不如說我是在判斷：這個選擇，有沒有讓我更靠近我當下真實的感受。

2025山海訓練營公開課現場

Q2

作為導演，您如何在保持創作統一性的同時，與具有不同創作風格的團隊成員合作？

鄭陸心源

這是一個非常復雜的問題，而且我覺得每個人的答案都不一樣。

首先，每個人選擇合作伙伴的方式就完全不同。我在美國有一位老師，他選攝影師時，最看重的是對方為人如何。他們曾經花了整整一個月申請動物園拍攝許可，只為了拍十分鐘的老虎，結果到了現場，攝影師沒裝好鏡頭，鏡頭直接掉進了虎籠。

但這件事，并沒有影響他繼續和這位攝影師合作。因為在他看來，對方始終是勤懇的、有判斷力的創作者。

我也遇到過另一位非常優秀的創作者，他說自己選合作伙伴，只看一件事：對這個項目有沒有足夠的熱情。技術、所謂的“才華”，反而是其次的。

對我來說，合作往往是一種際遇，我不會刻意追求和前輩合作。共同成長的過程本身就很美好，磨合中出現的錯誤、瑕疵，反而會給我新的靈感。太過順利的合作，有時候是危險的。

鄭陸心源《她房間里的云》劇照

具體到工作方法上，比如和素人演員合作，我通常會先保留他們對情境的本能反應。我會設定一個情境，讓他們先按照自己的理解去表演，再慢慢做加減法。

這個過程很像劇場排練。等我們在現場通過反復調整，找到一個相對穩定的版本后，有時候我還會再給一條完全自由發揮的機會。這些過程本身，都會被保留在作品里。

在不同階段，我的合作方式也完全不同。學生時期，我在短片里攝影方面的參與度很高，鏡頭、焦段、景別幾乎全部自己定。當時，班里大多數的美國同學無法理解我的劇本，他們會問：“人物為什么這樣走來走去？”“這能產生什么戲劇沖突？”

只有少數人愿意參與，有時候也很難全程跟進，所以我必須在前期把細節規劃得非常清楚。其實，每個階段遇到的合作者，都是和那個階段的你相匹配的。所謂統一性，不是靠控制別人，而是靠不斷磨合，更新自己吧。

2025山海訓練營公開課現場

Q3

從2018、2019年到現在，你在觀看短片方面的喜好或者關注點是否發生了變化？

鄭陸心源

我其實有點避免用“喜好”這個詞來討論，因為一旦你有非常明確的喜歡和不喜歡，它本身就是一種不自由。

我覺得我們需要不斷反思所謂的“標準”。很多看起來堅固的標準背后，其實都有一群既得利益者在維護。我們要警惕自己是不是在無意識地重復這些標準。

鄭陸心源在拍攝現場

對我來說，變化更多體現在創作嘗試上。比如最近，我用大疆的一款機器，完全用廣角鏡頭拍了一部短片。我嘗試了新的合作對象，也想用小規模的創作單位，去實踐健康的制作方式。比如，保持心情愉快，保證相對公平的收入分配，每天12小時的工作時長——這是我在美國習得的行業標準——看看在這樣的狀態下，是否還能拍出我認可的作品。

在拍長片的時候，我對演員和劇組的要求是相對嚴格的。這次拍短片，我想試試更輕松的工作關系。

我也在短片中加入了一些新的元素，比如人物的變形，小小的實驗。所以與其說是審美喜好的變化，不如說是：每一個階段、每一個項目，我都會給自己設定不同的創作目標。

鄭陸心源新作 A Stranger at My Door

概念劇照

Q3

使用非專業設備拍攝，與專業電影機相比，會給創作帶來哪些不同的限制或啟發？

鄭陸心源

《錯落斑駁的》（?Jet Lag）我的第二部長片，是紀錄片。整部片子使用的都是手機、DV和大疆 Osmo。

因為它講的是親密關系、家庭和旅行，這樣的題材，用最樸素的設備完全沒有問題，甚至正是這些設備，讓你可以在最親密的時刻進行記錄。

比如，早上醒來第一刻，就可以用手機拍下伴侶講述夢境的畫面，而不需要說“等一下”，叫來劇組、搬機器、架設備——那樣就太離譜了。

鄭陸心源在拍攝現場

當然，專業設備也有它的優勢。比如膠片或大機器，會自然營造出一種更莊重的創作場域。在需要體力付出的拍攝中，大家也會更珍惜演員的勞動，注意力更集中。監視器確實能幫助更好地判斷觀看效果，但這完全取決于項目需求。

就我拍紀錄片的經驗來說，我更多是站在攝影師的角度。我不會太去想畫面最終在銀幕上會是什么效果，而是更關注當下的目光投射——如何建立信任、如何調動關系、如何構圖。設備不是最重要的，重要的是你是否根據當下的需求，做出了一個清醒的選擇。

鄭陸心源《錯落斑駁的》 (2022)劇照

Q5

你如何看待北美地區創作者與國內獨立導演在創作上的差異？

鄭陸心源

國外的訓練，尤其是好萊塢體系，有一個潛在的危險——趨同性。當你多會了幾把“刷子”，你一拿出來，對普通觀眾來說就非常“像電影”、“像美劇”。就像擅長攝影的導演，很容易視覺先行。當你知道某種手法對觀眾有效時，有時候會太輕易地使用它。這是我對訓練體系始終保持警惕的一點。

在國內，我遇過一些演員，他們閱片、生活經驗的范圍和我比較少交集，就容易對我寫的劇情有強烈的邏輯訴求，問：“所以她為什么要這樣？”我能理解這背后的不安全感。因為，如果你沒有見過這樣的電影、表達，你就不太愿意把自己投入進去。但無論在片場，還是在生活里，也許都可以活一下這個情節試試。

對我來說，創作更重要的是先去體驗吧。先感受，再討論。當你足夠信任，你才會愿意在感受之后，去回看那個動作、那個選擇，對你意味著什么。

鄭陸心源在拍攝現場

文字整理 | 林鈺潔 侯圣元

校對整合｜蔡淳淳

文字/編輯/排版｜ 陳瀟然

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